lunes, 31 de diciembre de 2012

La vejez. Breve apunte

 La vejez no existe; sólo existe la pena
"Con el paso del tiempo he aprendido que esto, aunque cierto, no es toda la verdad. Otro generador de vejez es el hábito: el mortífero proceso de hacer lo mismo de la misma manera a la misma hora día tras día, primero por negligencia, luego por inclinación, y al final por inercia o cobardía. Afortunadamente, la vida inconsecuente no es la única alternativa, pues tan ruinoso como la rutina es el capricho. El hábito es necesario; es el hábito de tener hábitos, de convertir una vereda en camino trillado, lo que una debe combatir incesantemente si quiere continuar viva"....Edith Wharton.

De la entrevista de Angeles Mastretta y Elsa Lopez en Tv Canarias (fragmento)


sábado, 22 de diciembre de 2012

El día después del Fin del mundo


Amanecer en Sitges de Anna Jorba Ricart

Hoy que se supone iniciamos una nueva vida, después del tan traído y llevado "Fin del mundo", recuerdo este texto que me llegó al alma, y con la mejor intención de aprender en la vida, al seguir nuestro camino, en esta tregua imaginaria, siempre intentando ser mejor.
Pudiera haber sido escrito por el argentino escritor Jose Luis Borges, aunque la autoria no está clara y se barajan nombres como el de Nadine Stair o Don Herold.

Instantes


Si pudiera vivir nuevamente mi vida.
En la próxima trataría de cometer más errores.
No intentaría ser tan perfecto, me relajaría más.
Sería más tonto de lo que he sido, de hecho
tomaría muy pocas cosas con seriedad.
Sería menos higiénico.
Correría más riesgos, haría más viajes, contemplaría
más atardeceres, subiría más montañas, nadaría más ríos.
Iría a más lugares adonde nunca he ido, comería
más helados y menos habas, tendría más problemas
reales y menos imaginarios.
Yo fui una de esas personas que vivió sensata y prolíficamente
cada minuto de su vida; claro que tuve momentos de alegría.
Pero si pudiera volver atrás trataría de tener
solamente buenos momentos.
Por si no lo saben, de eso está hecha la vida, sólo de momentos;
no te pierdas el ahora.
Yo era uno de esos que nunca iban a ninguna parte sin termómetro,
una bolsa de agua caliente, un paraguas y un paracaídas;
Si pudiera volver a vivir, viajaría más liviano.
Si pudiera volver a vivir comenzaría a andar descalzo a principios
de la primavera y seguiría así hasta concluir el otoño.
Daría más vueltas en calesita, contemplaría más amaneceres
y jugaría con más niños, si tuviera otra vez la vida por delante.
Pero ya tengo 85 años y sé que me estoy muriendo.





viernes, 21 de diciembre de 2012

Trabajo en equipo. Breve apunte

Solemos estar rodeados de gente con la que tienes que compartir unas horas de tu vida por razón de trabajo. Sabemos que muchos somos diferentes, que pensamos diferente, que tenemos diferentes orígenes, que vivimos y sentimos diferente, con creencias diferentes, con aficiones diferentes, con tantas cosas que nos hacen diferentes; pero en el trabajo somos un equipo (o por lo menos deberíamos de serlo) y un equipo lo forman personas con habilidades diferentes pero complementarias, que tienen un objetivo común y para ello es necesario tener un plan de acción, una visión y una metodología de trabajo en común.
Desde la diferencia y la diversidad, un equipo es multidisciplinario.
A veces en este equipo se pierde la armonía. No siempre somos los expertos perfectos en todos los temas. Estamos influidos por estados de ánimo o en preocupaciones  por temas personales, familiares, de salud, economicas....
A veces simplemente se cae en el error de querer comparar el volumen de trabajo de los integrantes del equipo, volumen que no siempre es el mismo.
Hay quien necesita hacer valer su estatus en el colofón del equipo, ¡craso error¡
Para ti que no estás en tu mejor momento te digo: Hay personas que solamente son valerosas por la cobardía de los demás.
Siempre lo que falla es la comunicación y es lo que nunca se debería de perder.

Enlaces de interés:
Trabajo en equipo con humor con:


jueves, 20 de diciembre de 2012

La seu de Manresa. Breve apunte


Para acceder al Puigcardener desde la ciudad y la plaza del Ayuntamiento, se debe subir la Baixada de la Seu, que tiene a la izquierda el palacio del Veguer (s. XVII) y a la derecha, el conjunto de edificios medievales y posteriores anexos a la basílica. Alrededor de sus caras laterales y del ábside, está el parque de la Seu, flanqueado en su cara sur por la muralla de la ciudad y un amplio mirador sobre un risco que da al río, al Pont Vell y a la entrada monumental de Manresa, donde también está la Cova de Sant Ignasi y la torre de Santa Caterina.






La fachada anterior da a la plaza de la Reforma y a su aparcamiento bajo tierra. La escalinata de la Seu continua con un descenso por terrazas hasta la plaza. Al pie de la colina del Puigcardener está la capilla medieval de Sant Mar.





La Colegiata Basílica de Santa María de Manresa (la Seu) es uno de los ejemplos más representativos del gótico catalán y símbolo e icono de la capital de la comarca del Bages. Situada en la cima del Puigcardener, contempla la ciudad a su falda desde la ribera izquierda del río Cardener, al fondo del precipicio. La Seo es, sin duda, el principal referente histórico, de identidad y espiritual para todos los manresanos. Los privilegios concedidos por el Papa León XIII en 1886 convirtieron el templo en una basílica.

Aunque se denomina “Seu”,  nunca ha sido una seo catedralicia. Existe documentación del siglo IX donde se cita que el obispo Gotmar es obispo “osonenc i de Manresa”. La tradición, desde su construcción, ha hecho que éste fuese su nombre popular dada su dimensión de catedral, la existencia de un capítulo de canónigos (de aquí el nombre de colegiata) y la solemnidad e importancia que el pueblo siempre le ha dado.

El 30 de junio de 1322 firmó el contrato de construcción del templo el maestro de obras Berenguer de Montagut, que hizo el proyecto y dirigió la primera etapa a partir de la colocación de la primera piedra el año 1328. Montagut ya había construido en Manresa el Pont Nou, y posteriormente ejecutaría al mismo tiempo los proyectos de la Seu y de la iglesia del Carme. Le sucedió Bartomeu Ladernosa hacia el 1353-1357, posteriormente Arnau de Vellers a partir de 1396 y, seguidamente, Pere Armengou.

A partir de finales del siglo XV aparecen citados en documentos el maestro Martí d’Ibar, los franceses Arnau de la Blatte y Esteve Brueil, y también el maestro andaluz Alonso de Baena. En el siglo XVI los maestros Joan Font y Guerau Cantarell construyen el campanario. Finalmente, ya en el siglo XX, Alexandre Soler i March proyecta y dirige en parte la construcción de una fachada con un porche neogótico de tres portales y techo superior, situado entre la preexistente capilla del Santíssim y el nuevo baptisterio.

Entre 1545 y 1592 se construye encima de la parte románica del templo en la vertiente norte, el campanario de la Seu, uno de los elementos más distintivos de la silueta del monumento y del perfil de la ciudad.
El campanario tiene en la parte superior diversas aberturas y se culmina con una balaustrada.

En el s. XVII se incorporan las campanas y el reloj. A principios del siglo XX y hasta el 1936, el campanario lucía una aguja en la parte de arriba que rompía su fisonomía gótica. Al campanario, de 30 metros de altura, se sube por unas escaleras de caracol (cargol de Sant Pere).



El promontorio del Puigcardener, que se eleva junto al río Cardener, es el lugar donde nace la ciudad de Manresa con un primer núcleo de población ibérica. Continuado por una fortaleza romana, este lugar sería la base del desarrollo histórico de la ciudad, que empieza a consolidarse en la época medieval.


Es a partir de finales del siglo IX que tenemos la primera referencia de un culto en el Puigcardener que más tarde se convertiría en la iglesia románica del siglo XII, de la cuál conocemos su perímetro, base del templo gótico. Todavía se conservan algunos vestigios de aquella primera edificación románica: el tímpano de la puerta, una ventana y, sobretodo, el claustro.



La basílica de la Seu es un edificio que sigue las características estilísticas propias del gótico catalán, con planta de salón de tres naves, caracterizadas por la gran amplitud de la central que minimiza la de las laterales. El conjunto se cierra con un solo ábside heptagonal.

Vestigio de la iglesia románica que precedió al actual edificio gótico, son los elementos esculpidos de la que, con toda probabilidad, fue la portada principal. Hoy se encuentran situados en la fachada que da al claustro, en el lado norte de la Seu, cerca de la puerta de Santa Maria. Se trata de un par de arquivoltas decoradas, que reposan sobre dos columnas coronadas por capiteles historiados, entre los cuáles discurre un friso esculpido.

El tímpano, con la Virgen y el Niño acompañados de ángeles, es una reproducción del original que, muy deteriorado, se guarda en una de las galerías claustrales. Los autores de la portada se deben relacionar con los que trabajaron el claustro de Sant Cugat del Vallès y con los de la portada de la iglesia de Santpedor en la comarca del Bages, en los primeros años del siglo XIII.
El frontal del templo tiene un gran rosetón en la parte superior, y por debajo de éste hay un conjunto de cronología contemporánea, integrado por una galería de porches con escalinata de acceso acompañada de forjados, y lateralmente sobresalen dos torres: la del norte corresponde a la capilla del Santíssim y la del sur, al baptisterio, éste ultimo de planta octogonal y remate en aguja. En el lateral norte hay un campanario cuadrado de 60 m. de altura con ventanales a dos niveles, decorado con un reloj y rematado por una barandilla.

En el siglo XIII la ciudad de Manresa empieza a vivir su edad de oro gótica que llega a su apogeo en el siglo XIV, bajo el reinado del rey Pere III, el Cerimoniós. El 1296 se empieza a hablar en la ciudad de la necesidad de rehacer la vieja iglesia románica, aunque no es hasta el 1322 que se encarga al arquitecto Berenguer de Montagut que empiece a construir el templo gótico.


El claustro de la antigua canónica de la Seu presenta dos partes artística y cronológicamente diferenciadas. Por un lado, la más antigua –de la cuál sólo se conserva una pequeña parte- es de época románica. Si bien inicialmente hay quien la consideró del siglo XI por el primitivismo de sus capiteles, últimamente se decanta su datación a principios del siglo XIII. Consta de una secuencia de cuatro arcadas sostenidas por columnas pareadas o dobles.


El otro claustro, situado en un nivel superior, es del siglo XVIII. Lo componen cuatro galerías formadas por arcos de medio punto, con pilares y ménsulas de piedra. Es muy interesante su puerta de acceso, coronada por un arco conopial. En este espacio hay diversas piezas de interés artístico, como el tímpano original del portal románico y el sepulcro del canónigo Mulet, obra de Joseph Sunyer (1719).
La culminación de la Seu gótica tuvo lugar a finales del siglo XV y a partir de entonces el templo fue incorporando elementos que la iban completando con estilos de cada época. Así, desde el siglo XVI, con la construcción del campanario y de la cripta (decorada al estilo barroco en el siglo XVIII), hasta principios del siglo XX, en que se construyeron la fachada y el baptisterio neogótico, la Seu pasa del gótico al renacimiento, del barroco al neogótico.







La época moderna fue devastadora para el monumento debido a la quema de la ciudad durante la Guerra de Sucesión y la Guerra del Francés. Las obras de refuerzo durante el siglo XIX y el XX se vieron interrumpidas nuevamente por la Guerra del 1936 perdiéndose gran parte de su patrimonio. Lo que hoy nos queda de la Seu es el testimonio de la historia de la ciudad, de su gloria y de sus penurias.

El esplendor gótico en la ciudad se refleja en la expansión de las murallas, la construcción de las iglesias del Carme, Sant Pere o Sant Miquel, o de la Sèquia (acequia). La obra de la Seu fue posible gracias a las aportaciones de los fieles y al espíritu emprendedor de los manresanos de la época. El 1328 se colocó la

primera piedra y en el 1353 ya se celebró culto en la nueva iglesia.


El edificio tiene dos niveles: la nave central soportada por columnas rematadas por bóvedas de crucería y techo plano, con grandes ventanales laterales elevados cerrados con vitrales, y un segundo nivel, más bajo, que corresponde a las naves y las capillas laterales, con bóvedas de crucería comunes y una segunda hilera de ventanales con vitrales.

Exteriormente, los dos niveles están sostenidos y unidos por los contrafuertes y arbotantes, a los que se une la torre de una escalera de caracol cerca del ábside. El ábside es heptagonal, con siete capillas interiores, y a continuación hay una portalada a cada lado, después de cuyo tramo hay cinco tramos de capillas laterales.


























La Seu tiene un gran rosetón en la fachada principal, otro pequeño encima del portal sur, y treinta vitrales historiados y policromados que responden a tres patrones constructivos diferentes. No son los que existían antes del incendio de 1714; algunos son del siglo XIX y otros, de hace cincuenta años. Dispuestos en dos niveles, el superior corresponde a la nave central y el inferior a las capillas laterales; aportan luz exterior y una gran elegancia decorativa.




Los más antiguos corresponden a diseños de Francesc Morell, y de Apel·les Mestres; otros son de Joan Vila, ejecutados después de las destrucciones de 1936-1939. Se debe añadir a éstos los propios del baptisterio, que son una obra actual, realizada en el año 2008 por Nídia Esquius.



Fotos de Anna Jorba Ricart
Texto de la red.


miércoles, 19 de diciembre de 2012

Cueva de San Ignacio en Manresa


Iñigo Lopez de Recalde, que fue San Ignacio de Loyola, fundador de los jesuitas, en su estancia en Cataluña, en el año 1522, hizo camino desde Montserrat a Manresa, en dónde permaneció once meses viviendo en una cueva entre las rocas, cerca del rio Cardener,  pasando allí sus horas de silencio y oración. En la gruta se cree por tradición que fue donde recibió la revelación de lo que sería su pensamiento y su obra. Es por esta razón que la Cueva de San Ignacio es actualmente uno de los principales lugares de peregrinación jesuítica.
Sobre esta cueva se levantaron un santuario con la Casa de Ejercicios Espirituales,  la iglesia, la antecueva y la Coveta.


La casa de ejercicios espirituales 


Fachada del Santuario Casa de ejercicios de San Ignacio en Manresa

de San Ignacio se encuentra al lado de la iglesia, data del siglo XVIII, con fachada ornamentada.
En dónde además se imparten cursos, talleres, estancias para meditacion, fines de semana de oración y reflexión....etc.


Fachada lateral casa de ejercicios de San Ignacio en Manresa


Fachada principal de la Iglesia  de San Ignacio en Manresa



La iglesia

Data del 1759 y de estilo barroco, la fachada principal tiene la puerta entre cuatro columnas. Encima, en un nicho y una escultura de San Ignacio peregrino. El lateral de la iglesia está decorado con 26 ángeles y 24 personajes históricos.
La decoración interior es de estilo rococó y que es de un siglo más tarde. Cabe destacar el altar con la Santísima Trinidad y la curiosidad de que el Espíritu Santo está representado por una paloma negra encima de la esfera del mundo, en los lados están las imágenes de San Ignacio y San Francisco Javier.
El coro y las tribunas son barrocos con molduras doradas.
En las columnas laterales hay imágenes de santos de la Compañía de Jesús, obra del escultor Flotats.


Antecueva o vestíbulo

Antes de llegar a la Coveta se pasa por vestívulo que siglos atrás fue una pequeña iglesia dedicada a San Francisco Javier. Actualmente se trata de un amplio pasillo diseñado por jesuita Martí Coronas (s. XX). En la parte derecha encontramos cuatro vitrales que representan ángeles aguantando pergaminos con pensamientos del santo y, a su frente, las mismas imágenes hechas con mosaico.
Entre ángel y ángel hay relieves de bronce y, encima, mosaicos con personajes históricos que se dirigen a la Cueva.
Justo en la entrada de la Cueva hay dos ángeles de bronce que señalan la entrada, del escultor Josep Llimona.
Vestíbulo o antecova



La Coveta

Orientada mirando a Montserrat, es el lugar donde, según la tradición, Ignacio escribió los Ejercicios Espirituales. Fue el primer espacio que se veneró después de la canonización del Santo en 1622 y desde ahí comenzó la monumentalización.
Actualmente hay un retablo de alabastro de Joan Grau (s.XVIII) y en la parte derecha hay una serie de relieves de alabastro de Josep Sunyer (S.XVIII) y que representan escenas de la vida del santo.

Coveta o Cueva de San Ignacio



Retablo de alabastro obra de Juan Grau.
San ignacio mirando hacia Montserrat escribiendo los Ejercicios espirituales



Para ampliar esta visita este vídeo de la Cueva de San Ignacio.


Fotos de Anna Jorba Ricart
Texto de extraido de la red.

logo del blog del Sir

El detalle de las palmeras reflejada en el agua de la piscina es el logo que empleo en el blog del Sir.




Logo de los blogs azabache

En una visita a la casa familiar, la Masía Cabanyes en Vilanova i la Geltrú, convertida en la actualidad en museo dedicado a rememorar el ambiente del romanticismo, en una de las estancias encontramos un arpa del siglo XIX que mi abuelo regaló a la familia. Si os fijáis el extremo superior del arpa es el detalle  que encierra el logo de mis blogs azabache.






Logo del blog Conocerse a si mismo

Ultima serie de la tres Historias de un logo:
Logo del Sir Enry Baskerville
Logo de Azabache 1 y 2

Este logo es que más tiempo tiene de los tres que uso. Es el que utilicé en anteriores blogs, desde "Tu has de saber" hasta "Desde mi Olimpo".
El fondo que utilicé es una foto de mi cara, totalmente sobre-expuesta, a la que a través de un programa online le superpuse las estrellas de colores.
Es el más personal y al que más cariño tengo.

martes, 18 de diciembre de 2012

Vivir en pareja. Breve apunte


Nunca me gustó la frase : "mi media naranja" tratándose de la pareja. ¿por qué partir en dos mitades lo que puede ser entero?.
En la convivencia de pareja se pasa por muchas etapas, desde la que en los inicios parece que uno solo vive por el otro, con la más absoluta dedicación en el tiempo y en el pensamiento y con casi un sentido de posesión y dependencia, hasta el punto maduro del bienestar que crea el respeto a los espacios y al tiempo de ambos, sin llegar a extremos de distanciamiento tal, que signifique que cada uno va por su lado.
En ese abanico de posibilidades desde la dependencia y necesidad absoluta que llevaría a la despersonalización, hasta la independencia que llevaría a un despego tal, en el que podríamos prescindir del otro, tan ponzoñosa una actitud como la otra a mi parecer, porque los extremos no son convenientes, llegar a un equilibrio sensato, a una interdependencia que siga siendo enriquecedora para ambos, no es tarea fácil.
Cada uno defiende su espacio y me parece muy bien, defiende sus tiempos y me parece muy bien, sin  dejar de compartir con tu pareja aquellas emociones, sensaciones, sueños , ilusiones, inquietudes, que suman y no restan en el proceso de crecer juntos.
Si sabemos que tenemos el mayor grado de complicidad con la pareja en muchas cosas, disfrutar de momentos únicos, personales, que hay muchos, es necesarios, pero después compartirlos, porque es de las cosas que más enriquecen y.... ¡hay tanto para compartir!..
Empezando por miedos, inseguridades, decepciones, complejos, siguiendo por alegrías, esperanzas, ilusiones, deseos y siempre desde la libertad y el respeto.

viernes, 14 de diciembre de 2012

Acoso escolar. Bulling. Breve apunte

El maltrato físico recurrente, metódico, sistematico, constante e intencionado, es el bullying, junto con el maltrato psicológico, la exclusión social  y las continuas vejaciones e insultos a la que es sometida la víctima pueden acabar por terminar  con la vida de la persona, que a veces incluso llega a creer que es culpable de todo aquello que le pasa y que lo merece.
Este proceso la somete a un estado de miedo y rechazo a la asistencia a la escuela que puede desembocar en depresión, nerviosismo y soledad, creyendo, la víctima,  que la única salida es el suicidio; así que, por sencilla que sea la intimidación, las consecuencias pueden ser severas.
El “bullying” o acoso escolar está en las aulas, en el patio, en el entorno de la escuela y en el ciber-espacio.
Es otra de las pesadillas a las que se enfrentan muchos colegiales.
El “sexting”, el “bullying” y “ciberbullying” son términos cada vez más comunes en los Centros de Enseñanza.
La víctima empieza a tener bajo rendimiento académico, disminuye el contacto con el grupo y presenta sintomatología diversa, con signos como golpes, le roban cosas o se las rompen, etc,etc....
Por ello hay que estar pendientes para poder detectarlas.

Vivimos en un mundo consumista y en ocasiones los niños recalcan las diferencias entre ellos con comentarios crueles: "tengo mejores zapatos que tú’", "yo vengo en coche tu no", "pareces una nena", "qué gorda estas".....etc.”
En el “bullying” hay tres roles: el atacante, la víctima y los testigos. Para que el papel del primero pierda fuerza se debe romper el silencio que por lo general guardan los terceros.
Para combatir esta violencia se debe pensar en un triángulo conformado por padres, los alumnos y dirección de las escuelas, en el que cada uno debe reforzar al otro y trabajar conjuntamente.

Estas conductas son aprendidas, por lo que los padres han evaluar la forma en que sus hijos interactúan con otros y los roles con que se identifican dentro y fuera del hogar y de la escuela.
Tener buena comunicación con los hijos sobre lo que sucede  permitirá una temprana detección de la posible aparición de conflictos.
Y sobre todo si se detecta hay que denunciarlo.

"Lo más atroz de las cosas malas,
de la gente mala 
es el silencio de la gente buena "
Mahatma Gandhi

lunes, 10 de diciembre de 2012

Ser antisocial.Trastorno de personalidad

Un breve recorrido por el complejo mundo de un trastorno de la personalidad.

No es ningún tratado psicológico, pues el tema es extenso, expongo unos datos o conclusiones de algunos casos que fueron objeto de estudio por mis compañeros de trabajo, especialistas psicólogos y que recojo muy resumido, como texto práctico que pudiera servir a quién lo lea y esté interesado.

Se dice que el patrón del antisocial necesita que: "el mundo gire a su alrededor, en función de la búsqueda para conseguir ganancias secundarias”, así es como se mueve.

En salud mental, en pesquisas policiales, en empresas, en colectivos, en ámbitos gubernamentales etc., es importante poder detectar y aislar a este tipo de individuos con esta alteración de la personalidad, del resto, pues las consecuencias destructivas que puede llegar a emplear el/la antisocial son muchas y evitaríamos mayores daños.
Son personalidades muy comunes y que nos pasan desapercibidas, pero hay un porcentaje de individuos con este trastorno a mayor nivel, que llegan a ser francamente peligrosos y agresivos.

Sorprende que el/la antisocial se hace encantador y quiere dar buena impresión, que sabe actuar sobre las emociones de los demás, que se hace sus propias leyes y se las cree, que descuida imprudentemente su seguridad y la de los demás, que puede ser consumidor de drogas o alcohol, que nunca siente culpa ni remordimiento de su comportamiento, lo que si le hace arrogante.

En jóvenes con tendencia extrema a pelearse, mentir, robar, desobedecer, necesitan que los padres y maestros deban de estar muy pendientes, cuando estas conductas, que pueden ser y son normales, se hacen repetitivas y de proporciones muy aumentadas. En ese caso los padres han de solicitar ayuda y deben entrenarse para ser muy efectivos en disminuir la conducta agresiva y provocativa de los hijos; llevarlos, si llega el caso a que sigan terapias cognitivas. Asociándose en la atención de forma coordinada las medidas psicológicas, sociales e institucionales, (coordinación que no siempre existe).

Muy importante es detectar estas características en los adolescentes que además pueden pasar excesivas horas ante su ordenador, (las nuevas tecnológicas en la comunicación, lejos de solucionar el tema, tienden a agravarlo), teléfono móvil, juegos, Internet, chats o Messenger...etc., aumentando los factores de riesgo que se suman si se da la tendencia a padecer el trastorno de la personalidad.

Para el/la antisocial es toda la sociedad la que está en contra, entorpecen su funcionamiento pero viven bajo su sistema.

La critica siempre es a los demás, La auto crítica no existe.

Su concepto de auto estima está desfigurado, entre otras cosas porque se sienten auto suficientes. Es gente desconfiada, en el fondo llegan a un punto de sentir miedo de los demás, aunque no lo manifiesta o manifieste lo contrario, lo que le hace estar atento y suspicaz.

Es inteligente, comprende la parte intelectual de los sentimientos, lo que le hace poder manipularlos. Es poco honesto y ejerce la mentira repetidamente.

El/la antisocial es impulsivo e intolerante, no sabe medir las consecuencias de sus actos. Busca gratificar con urgencia sus deseos.

Es persona egocéntrica, sus opiniones e intereses están por encima de los intereses de los demás. Egoísta e insensibles al dolor ajeno.

Es gente fingidora, distante en persona y fría.

Tiene un patrón de conducta dominadora hacia los demás. Con el débil y el necesitado que detecta, se crece y envalentona, eleva, en su fuero interno, los niveles de prePOTENCIA, aunque a parte de ser una cobardía es un signo de debilidad personal; los débiles y estúpidos son los demás y tarde o temprano tratará de destruirlos de forma soterrada y otras veces manifiesta.

Es gente megalómana, fantasiosa, vanidosa, con delirios de grandeza manifiesto, o delirios de poder y hedonista.

Su táctica siempre es la misma, envuelve, adula, halaga, agasaja, camela, piropea, da coba, hace la pelota, así hace caer en sus redes un "puñao" de incautos y victimas.

Puede ser muy convincente.

Aguanta hasta que un día le llevan la contraria, entonces se desespera, que le quiten la razón podría hacerle enfermar, se vuelve hostil e irritable y o busca repuesto como quien repone papel en la impresora o material en su oficina, las personas son objetos que desprecia y tira como un fardo de deshecho y basura empezando a hacer daño o lo elimina (en casos extremos de criminales).
No escarmienta por la incapacidad de aprender de su propia experiencia, y vuelve a empezar.

No siente remordimiento ni vergüenza, porque su causa y actuación siempre es correcta, las cosas suceden sin más y nunca es responsable.

Lo que inicia lo acaba como lo tiene planeado.

En las distancias cortas no se compromete, la gente le molesta para convivir. Ni siquiera con sus vecinos se relaciona más de lo imprescindible. Crea distancia a propósito, en el momento que la relación se estrecha no lo soporta, porque la incapacidad de establecer vínculos estables y relaciones profundas. Estos problemas de relación interpersonal les confieren una actitud de aislamiento, solo si siente empatía consiente la relación;
en este aspecto, siente el fracaso, en el fondo es el elevado ...pero vuelve una y otra vez a refugiarse en la fantasía que expone y llega a creerse.

Ayuda a los demás y en nombre de la ayuda colabora, aunque encerrará siempre un gesto de imposición y autoritarismo, armas que siempre elige, junto al desprecio e indiferencia que manifiesta llegado el momento.

Por regla general viven en soledad y si lo hacen en pareja puede ser que desarrollen un amor violento, con desprecios, anulaciones e indiferencia. Son peligrosos por su frialdad afectiva y falta de empatía. Separarse de estas personalidad si has convivido o caes en sus red, no es fácil, pues por un lado el miedo hace sentir angustia y a la vez que desahogo pensando en escapar.
Siempre hay que acudir a ayudas sociales, a las terapias psicológicas al detectar esta personalidad, para poder subir la autoestima y alejarse. O controlan demasiado o son totalmente indiferentes, en todo caso es violencia en el amor, como se describe muy bien en el libro de Walter Riso, Amores altamente peligrosos el perfil de estos tipos, como reza la portada estilos afectivos de los cuales seria mejor no enamorarse: como identificarlos y afrontarlos.

En la filmografia tenemos al personaje de Sharon Stone en Instinto Básico que representa bien el perfil antisocial o al de Glenn Close en Atracción Fatal que representa el trastorno límite o El coleccionista de William Willer o Eduardo manostijeras de Tim Burton, etc,etc.

En todos los campos existen individuos con rasgos de esta personalidad y muchos enmascarados en la red de Internet.

Aconsejo que si detectan alguna persona con estas características expuestas se desconecten y experimentaran un gran alivio.
Intentar resolverlo o hacerle cambiar es cosa ardua y difícil y es un asunto de profesionales.

De que le vale ser más fuerte, si no sabe ser mejor.
Federico Balar

jueves, 6 de diciembre de 2012

La risa

La risa es gratis y una de las mejores medicinas que tiene el ser humano para la buena salud. Esto está respaldado por estudios médicos, psicológicos y psiquiátricos.

"La risa es un verdadero desintoxicante moral capaz de curar o por lo menos atenuar la mayoría de nuestros males. Además, no hay ningún peligro si se supera la dosis".
"La risa es un don que se nos ha dado para sentirnos mejor", dice Barbara Fisher. "Pero los adultos nos olvidamos de reír, sobre todo a carcajadas, como lo hacen los niños".

El doctor José PP Elizondo (especialista en las áreas del Desarrollo Humano y Terapia de la Risa), explica que al reír se tienen los siguientes beneficios para la salud:

  • Disminuye el cortisol (hormona del estrés).
  • Provoca relajación muscular y, por lo tanto, reduce la tensión.
  • Estimula el sistema inmunológico.
  • Aumenta el flujo sanguíneo, debido a que al momento de reír las arterias se dilatan.
  • Activa el sistema circulatorio. William Fry demostró que con un minuto de risa se alcanza la misma frecuencia cardiaca que con 10 minutos en una máquina de remo.
  • Mejora el proceso digestivo, porque aumenta los movimientos del intestino. Esto ayuda a mejorar la digestión y absorber los nutrientes. Además, el movimiento de los músculos abdominales y el diafragma provee un masaje a los órganos internos.
  • Incrementa la calidad de la leche materna. Esto se debe a que al reír se elevan los niveles de melatonina (hormona relacionada con la relajación) en la leche de la mamá.
  • Tiene un efecto broncodilatador. Al reír los bronquios se estimulan y expulsan las secreciones pulmonares y se aumenta la oxigenación del cerebro y resto del organismo.
  • Aumenta la tolerancia al dolor, ya sea por distracción mental o el incremento (todavía en estudio) de la endorfina.
  • Estimula el sistema muscular de cara, tórax y abdomen.

Tal vez por la carencia de la risa es que muchas personas amargadas o negativas tienden a padecer enfermedades psicosomáticas. El Dr José Elizondo asegura que ellas podrían mejorar su estado de salud si se proponen reemplazar la amargura y negatividad por la risa.

Obviamente, esto no se logrará de la noche a la mañana. Para ello hay que trabajar, aprender, controlar los pensamiento negativos, encontrar alternativas....
¡ a reír ¡
comprueba que la risa es contagiosa 

martes, 4 de diciembre de 2012

Preclasicismo en Francia. Parte II

Viene de la anterior entrada del Preclasicismo en Francia Parte I

La música vocal profana

Alegoría de la música de Laurent de la Hire
La musa Euterpe
 En el último tercio del siglo XVI también hubo profundos cambios en el campo de la música vocal profana. Estas nuevas tendencias se afirmaban con la aparición del stile rappresentativo y muy pronto con la ópera. En Francia los humanistas tenían las mismas preocupaciones que los florentinos, y orientaron a los artistas hacia la traducción expresiva del sentimiento personal. Los músicos, sin embargo, se resistían a la nueva corriente que invadía Europa. Se dedicaban a realizar sus propias experiencias, y crearon unas formas inspiradas en el nuevo espíritu de la monodia acompañada; son éstas el air de cour, la chanson a una sola voz,  el récit (recitativo) cantado, formas que se convertirían en elementos constitutivos del ballet de cour.
La influencia del humanismo, favorable a las nuevas fórmulas no tuvo desde el principio papel esencial. La monodia  continua siendo más o menos viva desde la época de los trovadores. A principios del siglo XVI enlazó con una antigua tradición popular y recobra vigor. Hacía 1525 o 1530 se desarrolló, paralelamente a la canción polifónica denominada “musical” una canción estrófica de ritmo vivo que recibió diversos nombres: voix de ville (vaudeville), canción rústica y también sansón à danser; esta canción está emparentada con la frottola italiana. Inversamente a la polifonía, esta canción “ silábica”, de estructura vertical, todas las voces pronuncian en el mismo tiempo la misma sílaba, ya no concede importancia al conjunto de las voces, sino a la voz superior, que es la que canta la melodía, y al bajo (bassus) sobre cuyas notas se construyen los acordes. Gracias a este hecho se consigue la mayor claridad posible en la audición de las palabras. Hacia 1550, mientras la polifonía recibe la influencia del madrigal, los caracteres del vaudeville se precisan en las Chansons de Arcadelt (25ºlibro, 1547) (Escucha de Arcadelt il Bianco e dolce cigno),  las de Pierre Certon (1ºlibro, 1552)( Escucha de Pierre Certon Que N'Est Elle Aupres de Moy)  después las de P. Cléreau, (Escucha de Pierre Cléreau, Comment au départir)Bussy, Le Roy, Maillard y N de la Grotte .
 asegurar la unión más íntima entre poesía y música, los poetas, siguiendo el consejo de Ronsard de “mesurer ses vers à la lyre” se ciñeron a la regularidad estrófica, con el fin de que cada una de ellas se adaptase fácilmente a la melodía. Odas, lamentos, estancias y canciones, inspiradas en la poesía petrarquiznte que Desportes debía popularizar, suplantaron a los epigramas, elegías, sextinas, octavillas, décimas y sonetos de la polifonía.Los nuevos cantos se prestaban a una ejecución duramente vocal, pero también a más fácilmente que los de los polifonistas, a la interpretación de un solista que cantase la voz superior, en tanto que las restantes partes eran reducidas por medio de un instrumento armónico.
 Las colecciones de canciones francesas para laúd aparecieron en París a partir de 1529 y en Lovaina en 1553 (Hortus Musarum).
En 1569 las Chansons de P. Ronsard,
baile en la corte. Pintura mural
(Escucha chansons de Ronsard Mignonne allons voir si la rose ),  Ph. Desportes et autres…. (A cuatro partes), de N de La Grotte, adoptaron el estilo homofónico que se impondría en la música vocal.
Poco tiempo después la expresión air de cour apareció por primera vez en el título de una colección publicada en 1571 por Adrián Le Roy, que reunía canciones especialmente de La Grotte para canto y laúd.
A partir de 1571 el nuevo género se desarrolló paralelamente a la (música medida a la antigua) adoptando el nombre de air y la forma polifónica. Durante los disturbios no se publicó tablatura alguna; pero recobrada la paz a finales de siglo, el “air de cour” fue acogido con gran complacencia pues respondía a los deseos de una sociedad ansiosa de solaz y evasión.
El laúd se convirtió en la Corte, entre los señores y entre los burgueses, el “rey de los instrumentos”. No es necesario ser virtuoso para sostener un canto o con algunas notas pulsadas.
Y así Enrique IV encargaba a Malherbe y a Guédron algunos airs para seducir sus nuevas conquistas. En el reinado de Luis XIII la hermosa Angelique Paulet hechizaba a sus admiradores en el hotel de Rambouillet. Llegada la noche, el rey en compañía de M. de Mortemart, el mariscal de Schomberg y P. de Nyert, interpretaba en sus habitaciones algunos airs de Boesset.
El cardenal Richelieu se emocionó al escuchar a Mme. De Saint Thomas Cambefort, Moulinié y Lambert encantaban por las callejuelas a aquellos que abandonaban la ópera italiana de Mazarino.

 El  air de cour 

Esta expresión tiene un sentido muy amplio. En los primeros años del siglo XVII cuando todavía se publican las obras del siglo anterior, designa no solamente un canto solemne y afectado sino asi mismo la canción amorosa, la canción para danzar (branle, volte, courante), la chanson de table, o el air y récit de ballet.
Después el air propiamente dicho, galante y refinado, domina la producción, en tanto que el air derivado del vaudeville es eliminado lentamente. Se presenta bajo la forma de una melodía bastante corta que se reanuda al principio de cada nueva estrofa. Las estrofas son de cuatro o seis versos; son frecuentes los versos sin rima, que contribuyen a dar una curva original a la línea melódica.
 Bajo la influencia de Desportes y los poetas del preciosismo, la poesía expresa sobre todo sentimientos amorosos (Bertaut, Malherbe, Maynard), y algunas veces se tiñe de romanticismo ( Théophile, Saint-Amant, Racan, Tristan L’Hermite).
Vemos que el air de cour se puede interpretar de dos maneras, y hasta de tres, pues la parte superior puede cantarse sin acompañamiento.
A partir de 1600 se publicaron colecciones que respondían a cada una de las posibles versiones. La versión polifónica, más formal, es generalmente anterior a la versión para voz y laúd. Los compositores parecen experimentar algún recelo en dar a la melodía la libertad, agilidad y lirismo que los italianos ya le habían concedido desde mucho antes. Después de J. B. Besard, que publicó algunos airs en su Thesaurus harmonicus (1603),
 Escucha de J. B. Besard:

Bataille inició en 1608 una colección de airs de diversos autores puestos en tablatura para laúd. Permaneció fiel a la versión original, y se contentó con dar cuerpo a los acordes y añadir adornos al canto. Pero el intérprete era libre de improvisar nuevas “disminuciones” (doubles) en las estrofas siguientes.
De Gabriel Bataille:


El air de cour observó primero una rítmica ágil, próxima a la de la música “medida a la antigua”. Escrito  sin barras de compás, únicamente con barras al final de cada verso, lo que ya se puede observar en los airs más antiguos de Caietain (1576), D. Le Blanc (1579), P. Bonnet (1585) y J. Planson (1587) descuida algo la prosodia.
Imita un estilo cuyas reglas se han olvidado ya, pero que tiene un éxito pasajero a principios del siglo XVII, cuando se editan las obras póstumas de Claude Le Jeune.
Escucha de Claude Le Jeune:

serenata a la luz de las antorchas.Pintura mural

Consciente o inconscientemente, se trata de una imitación tanto más curiosa cuanto que, exceptuando seis obras cortas, ninguna otra pieza de “ música medida” fue puesta en tablatura. El air retrasado en cuanto a su evolución, se tiñó de una gracia delicada que sobresalió en la expresión de la languidez o la dulzura. P. Guédron:


Guédron intendente de música de Enrique IV, ensayó primero darle una estructura más clara y una declamación más natural se sirvió del recitado ( Caccini le había dado a conocer los modelos italianos con ocasión de su paso por la corte de Francia hacia los años 1601 y 1605), y buscó la expresión sobria y justa. Su arte, conciso y claro, utiliza formas antiguas. Compone vaudevilles estructurados con fuerza, escribe música medida, y busca un camino posible entre estas dos vías extremas. No se hallan en él pasajes patéticos ni los atrevimientos armónicos de las monodias italianas, sino únicamente una declamación voluntariamente razonable, sostenida por una armonía ágil que se adorna con retardos, apoyaturas, y cuya tonalidad oscila entre el mayor y el menor.
Sus sucesores Antoine Boesset, Antoine Moulinié y François Richard orientaron sus esfuerzos en distintos sentido.
Boesset destaca por su inspiración elegíaca, la belleza de su melodía, la agilidad de su declamación y cierto encanto y dulzura.


 Hacia 1632 recibió la influencia de Pierre de Nyert (1597-1682), un gentilhombre francés, excelente cantor que había viajado más allá de los Alpes y que deseaba “conciliar los métodos italiano y francés”. Tras un silencio de cerca de diez años, Boesset modificó su estilo. Amplió la frase, y se sirvió de la repetición de algunas palabras, grandes intervalos melódicos, en definitiva, de aquello que hasta aquel entonces los franceses habían reprochado a los italianos.

Étienne Moulinié fue también un lírico; además de sus airs, de gran belleza expresiva, sus doubles nos permiten imaginar el grado de virtuosismo a que podían llegar los cantores.


F. Richard escribió courantes, zarabandas nobles y un dúo que prefiguran lo que sería después el dúo de la ópera. Citemos también los compositores Jacques Lefevre, Vincent, Sauvage, J. Boyer y F. de Chanc  (hacia 1600-1656).
A la muerte de A. Boesset (1643) desaparece la costumbre de escribir los airs en tablatura de laúd y
ya hemos visto cómo se impone definitivamente el bajo continuo. Aquí la prioridad corresponde a la música profana.
El sólo vocal se había desarrollado gracias al canto con acompañamiento de laúd. Grandes transformaciones de estructura se produjeron gracias a las versiones polifónicas.
En Guédron y a partir de 1613 aparecio en un diálogo un bajo instrumental que en algunos momentos doblaba el bajo vocal. A lo largo de toda la gran floración del air con acompañamiento del laúd que declinó hacia 1630, aparecía algunas veces, en ciertos airs, un bajo instrumental que no poseía justificación especial. Este bajo instrumental se generalizó en la última colección de A. Boesset a varias voces.
Se puede pues admitir que desde muy pronto el bajo vocal desempeñaría el papel de bajo continuo. Después de 1643 el arte del canto conoció una boga notable. Ya Merssene había tratado sobre la voz y los cantos en su Harmonie Universelle (1636).
En 1668 Bacilly resumiría en sus Remarques sur l’art de bien chanter, los principios técnicos que la nueva generación establecería definitivamente gracias a Cambefort,  Michel Lambert, el futuro suegro de Lully, Bacilly,  Le Camus,  J.B. Boesset y L. de Mollier.El nuevo air en rondeau (en el que se repite un verso con su correspondiente melodía al principio y fin de cada estrofa), y el air continuador de la tradición del air de cour tuvieron ritmos más animados, en tanto que se afirmaba su división métrica interna y reaparecerían las barras de compás los airs de Lambert, elegantes sencillos y de gran naturalidad, son generalmente a dos voces con bajo continuo cifrado.
De Michel Lambert:
En  Le Camus generalmente precede a cada pieza un pequeño preludio instrumental, hecho raro en los airs con acompañamiento del laúd.
La chanson a voix seule fue objeto de numerosas recopilaciones en las que se mezclaban vaudevilles y airs de cour de moda. Se cantaba generalmente sobre ciertos motivos melódicos populares.
Robert Ballard publicó algunas colecciones anónimas, en especial de Chansons à danser y Chansons à boire 

Después de 1630, J. Boyer, G. Michel, D. Macé, L. de Mollier y Clancy compusieron obras de robusta alegría y a menudo de tono picaresco
El ballet de cour

Representacion de Circé
ou le ballet comique de la reine
 En Francia la danza anima siempre las fiestas y las diversiones de todas las clases sociales. Desde el drama litúrgico a las farsas de los siglos XIV y XV la música de danza fue interpretada por coros e instrumentos. En la corte de Borgoña se representaban durante las fiestas unas pantomimas o entremeses con intermedios y alguna tramoya. Bajo el gobierno de los Valois, los coreógrafos italianos llamados por Catalina de Médicis hicieron interpretar, en las mascaradas, justas, carreras de anillo y entradas de soberanos, y unas danzas con figuras cuyos pasos eran totalmente inventados. Hacia 1570 el movimiento humanista, ansioso de unificar poesía, música y danza, y también de resucitar el drama antiguo, ejerce sobre las diversiones una influencia poderosa. Paradise d’ amour, representado en 1572 con ocasión de la boda de Enrique de Borbón con Margarita de Valois, por su escena una acción alegórica en la que intervenía la música, Mercurio cantaba un recitativo, la danza y la tramoya. En 1581, el ballet de Circé (ballet comique de la reine), ofrecido a los invitados a la boda del duque de Joyeuse, favorito de Enrique III, con Mlle. De Vaudemont, anuncia ya el futuro ballet de cour.

Concebido y reglamentado por el piamontés Baldassarino di Beljiojoso (Balthazar de Beajoyeux), tomó del drama a su intriga mitológica y a la pastoral italiana sus divinidades del campo.
Beaujoyeulx: Ballet comique de la reine, La petite entrée

De  acuerdo con las teorías de la academia de Baïf unía comedia y música, canto y danza. Una puesta en escena suntuosa, rico vestuario y decorados un móviles creaban un clima de encanto o e ilusión. Interrumpido durante las guerras de religión, el ballet se convirtió en el siglo XVII en un espectáculo puramente coreográfico y musical.

 Incluye airs, recitativos hablados o cantados, coros y danzas. Obra colectiva, reclama la colaboración de poetas, compositores, cantores, bailarines, instrumentistas y tramoyistas.
Malherbe, Laigier de Porchéres, Jean de Lingendes, Bordier, Maynard, Saint Amant, Tristan L’Hermite y otros escribieron los versos e imaginaron unos libretos.
La música exigía especialistas para la interpretación vocal y para la sinfonía.
El ballet se iniciaba con un fragmento coral; seguían después unas treinta entrées (danzas o pantomimas), y terminaba con un “gran ballet” en el que tomaban parte, disfrazados, el rey en los cortesanos.
En la música instrumental era la obra de los propios instrumentistas: violines, violas, laúdes, cornetas, oboes, flautas y mussetes tocaban interludios y acompañaban las danzas; en algunos casos incluso músicos disfrazados participaban en las entrées. Los recitativos y airs, acompañados al laúd, precedían a las entrées, pero podían intercalarse también en la acción.

El diálogo o dúo aparece en raras ocasiones. Los ballets se celebraban en un salón de la Corte o de las residencias particulares. Se representaron siempre, incluso en época de carnaval, en el Louvre, el Ayuntamiento, el Arsenal y en las residencias de SaInt Germain y Fontainebleau. Bajo Enrique IV, mientras el ballet cómico vuelve a las escenas habladas, el “ballet-mascarade”, sin argumento, era representado sin decorados. Ponía en escena acciones realistas y burlescas ballets de los Négres, 1601 ; de los Sorciers, 1601; de los Garçons des tavernes, 1603 ; de los Bohémiens, 1606 ; de los Paysans et grenouilles, 1607; en ellos se mezclaban airs, recitativos hablados o cantados, danzas pantomimas e incluso algunas acrobacias.
Paralelamente al “ballet-mascarade”, la transformación del ballet comique en el que las escenas habladas vuelven a ser cantadas, da origen al ballet melodramático, con argumento, y del que Pierre Guédron es el auténtico promotor.
  Tras el ballet de la reine (1609), cuyos recitativos son compuestos por Chevalier sobre versos de Malherbe y Lingendes, el superintendente de música del rey compuso la mayor parte de la música vocal, ayudado en algunas ocasiones por  G. Bataille, el cantor Le Baylli, P. Auget y A. Boesset de los ballets de Alcine (1610), de los Argonaures (1614), del Triomphe de Minerve (1615), de La délivrance de Renaud (161
En el ballet  Délivrance de Renaud, verdadero esbozo de ópera, Guédron, inspirándose en los italianos, daría los primeros ejemplos de recitativo adaptados “à la douceur Françiose” ; estaban escritos directamente para canto y laúd, llegan notables por el tono patético y la sobriedad de su declamación. A la muerte de Guédron (1620), el ballet melodramático cedió el lugar al ballet á entées, cuya unidad es artificial.
El ballet de la Reyne représentant le Soleil (1621), dividido en cuatro partes evocadoras de las cuatro estaciones, esboza ya la futura ópera-ballet de Rameau.
El temperamento más lírico que dramático de A Boesset, que se afirmó en los ballets de las Fêtes de Junnon la Nopciere (1625), de los Voleurs (1624), de las Fées de la forest de Sai quent-Germain 1625), y en los que compuso en colaboración con Auget y F. Richard, el Grand Bal de la douairière de Billebahaut (1626), y el Ballet du sérieux et du grotesque (1627) .
De A. Boesset

En casa de Gastón de Orleans, E. Moulinié participó en el Ballet du monde renversé (1625) y en colaboración con Tristán L’Hermite, en el ballet  de Mlle. De Montpensier titulado Les quatre Monarchies chrétiennes (1635). A finales de su vida, y en colaboración con F. de Chancy, Boesset escribió la música, sobre textos de Desmarets de Saint-Sorlin, para el Ballet de la felicité (1639) destinado a celebrar el nacimiento de Luis XIV.
En el Ballet de la prosperité des armes de France, representado en 1641 en la residencia del cardenal Richelieu, el Palais-Cardinal apareció una innovación: los espectadores ocupaban la sala, y los bailarines subían a escena. Bajo Mazarino el ballet sufrió un eclipse, mientras aparecia la querella franco-italiana, que tanta resonancia tuvo. Algunos franceses que habían estado en Roma, como P. Nyert (1633), Maugars (1639), no disimulaban su admiración por el arte italiano. Merssene señalaba la diferencia entre la música tranquila, voluptuosa y llena de “mignardises” de los airs de cour, y los apasionados acentos de los recitativos italianos. Desde su advenimiento al poder, Mazarino ordenó la representación de óperas. Las representaciones de La Finta Pazza (1645) de Sacrati , con una suntuosa escenificación de Torelli, 


mal acogidas y se interrumpieron a causa de los acontecimientos de la Fronda . Pero sin embargo contribuyeron a crear un clima favorable para el desarrollo de la pastoral y de la comedia musical.
La Androméde de Corneille, musicada por d’Assouci (1650) sólo contenía música escénica.
Le triomphe de l’amour, de Michel de la Guerre, viene ser una especie de “comedia de canciones”, algunas de las cuales pueden ser interpretadas en forma de diálogo.
La pastorale d’Issy, de Cambert llamada presuntuosamente “la primera comedia en música representada en Francia” (1659), participa de los caracteres de la comedia y de la pastoral.
En 1653 en Ballet de la nuit, en el que Lully participó como bailarín, se inspiró también en la pastoral, como antiguamente lo había hecho el ballet melodramático.
 disfrazados del Ballet des fées de la forest
de Saint Germain
fragmento Ballet de la nuit de Lilly
En el prólogo, Cambefort se sirvió de un recitativo simple, libre y expresivo, que recuerda al de Guédron.
Gracias al retorno a un género abandonado durante demasiado tiempo, se franqueó una nueva etapa hacia la tragedia musical. Después de la Fronda, Mazarino hizo representar Le Nozze di Teti e di Peleco (1654) y para ganarse el favor del público introdujo en esta obra el ballet de cour.
 Pero Serse (1660)


representadas con ocasión de la boda de Luis XIV, no tuvieron ningún éxito.
El drama musical aburría pero contribuyó a afirmar la superioridad del canto italiano y demostró lo que no deja de sorprender dado el racionalismo francés que una comedia puede ser cantaba en su totalidad. 
A partir de entonces el público reservaría sus aplausos para los ballets de Benserade y Lully. El Ballet de cour satisfacía el gusto francés.

La estética de Beajoyeux, que deseaba contentar en un cuerpo bien proporcionado “la vista, el oído y el entendimiento”,  se identificaba con la de La Bruyère en su definición de la ópera: “ lo característico de este espectáculo es mantener en un mismo plano de deleite los espíritus, la vista y el oído”. Decorados, vestuario y tramoya contribuían a embellecer la ficción y mantenían “esta dulce ilusión que constituye todo el placer del teatro”. Nubes que se entreabrían, castillos que se derrumbaban, ángeles que aparecían en el cielo, bosques transformados en palacios encantados, ranas que nacían gracias a la acción de una varita mágica, recipientes que se transformaban en mujeres, amorcillos que descendían de elevadas bóvedas, todo ello en el ballet à entrées reflejaba la imagen de un universo en movimiento, de un mundo turbado y en el que “la realidad es inestable e ilusoria” (J. Rousset).
Arte “ barroco”, nunca mejor empleada esta expresión, al que la música sirve debilmente y decae ante el retorno del melodrama.
El lujo del vestuario no fue inferior al del decorado.




Los señores gastaban fuertes sumas para poder figurar en el ballet al lado del rey. Preferían los colores tornasolados, iban disfrazados, y no retrocedían ante lo grotesco ni lo extravagante. Forma lírica viva, de estética imprecisa, el ballet contribuyó a que una sociedad de privilegiados olvidarse las imposiciones cada vez más fuertes de una monarquía absoluta.
Tomado por Lully en su forma melodramática, “significó para la ópera lo que la pastoral y la tragicomedia habían significado para las formas clásicas del teatro francés” (H. Prunières).
Escena Le roi dance de Lully Ballet de la nuit

domingo, 2 de diciembre de 2012

El llanto

Recientes estudios y observaciones concluyen que ambos gestos tienen consecuencias fisiológicas y mentales muy parecidas.
Ambos son un desahogo, una válvula de escape para las personas.
El el Dr William Frey dice:

"Una buena sesión de llorar alivia tensiones, elimina la tristeza y permite que una se y persona conozca mejor a si misma y se relacione de una manera más honesta con los demás..." y sigue diciendo "llorar ejerce la distensión de las emociones y permite ver con claridad; pues las penas obstruyen el intelecto..."

Si observamos el llanto en niños pequeños, encontramos reacciones motivadas por hambre, por sentirse incómodos, por dolor o por sueño, de esta manera el bebé, que sabe llorar antes que hablar, comunica y manifiesta lo que le incomoda, los padres reaccionan y así le pueden proteger y ayudar a sobrevivir ante su indefensión.

El llanto de los adultos parece más complicado.

"Solemos llorar en situaciones de carga emocional, aún más si son inesperadas.Un duelo, un susto, una enorme satisfacción, una risa contagiosa, empatizar con alguien puede desencadenar el llanto adulto, contando con condicionantes añadidos como experiencias anteriores, o formas subjetivas de manifestar las emociones...."
Al igual que la risa hay un llanto natural y autentico y otro falso o llanto manipulativo. Un llanto verdadero es fundamental, sirve para la comunicación social, dice a los demás que algo nos pasa, y nos revierte un beneficio con el apoyo social.

Llorar no es un síntoma de debilidad o por lo menos así hay que entenderlo. Son débiles aquellos quienes, por su inseguridad, no se sienten capacitados para emocionarse por tanto liberarse del miedo a sentir nos hace ser más libres.
Y eso incluye a hombres y mujeres, porque expresar las emociones no debilita sino que fortalece.

Hemos visto a Moratinos llorando en el Congreso de los Diputados, a Lula da Silva cuando a Rio de Janeiro se le concedió la realización de los Juegos Olimpicos de 2016, a Roger Federer, tanto si pierde como si gana en la cancha, a Josep Guardiola manifestar sus emociones ante la victoria del Barça, a Barack Obama agradeciendo a un grupo de jovenes su colaboración en la reelección,etc...
Y cada vez sorprende menos ver a hombres llorar, no es que lloren más que antes es que ahora se permiten expresarlo, cuando antes se avergonzaban y quedaba como un acto cerrado, ahora se dan cuenta que no solo no pasa nada sino que hay hacia ellos una mirada de aprobación e incluso de valentía por el hecho de hacerlo

El máximo representante de la psicología moderna William James, planteó esta cuestión a la comunidad científica de primeros de siglo pasado: ¿lloro porque estoy triste o estoy triste porque lloro?

el sentido común y la psicología de la época llegaron a creer que el llanto es consecuencia la tristeza, el imparable avance de la psicología positiva y de las neurociencias en general han dado la razón a William James, por lo que actualmente se sabe que si sigues llorando, cada vez estarás más triste.

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