sábado, 30 de junio de 2012

Zarzuela. La revoltosa.(149)






Zarzuela en un solo acto, compuesta por el alicantino Ruperto Chapí Lorente con libreto de Carlos
Fernández Shaw y José Lopez Silva. Estrenada en el Teatro Apolo de Madrid en 1897.

Se desarrolla en un patio de vecinos del Madrid castizo a finales del siglo XIX.
Mari Pepa, guapetona chulapona y coqueta, tiene revuelto a todos los hombres del vecindario dando celos a Felipe que está enamorado de ella aunque finge indiferencia y ella también con él.
Las mujeres para dar escarmiento a sus maridos, hacen ver que Mari Pepa les ha citado y se van de la verbena para quedarse solos con ella, cosa que no consiguen.
A final Felipe descubre el engaño y confiesa a todos sus vecinos el amor que siente por ella y ella por él.



  1. Preludio
  2. Introducción, Coro y Seguidillas: ¡Vamos arza¡,"Al pie de tu ventana", hay que la molestan, ¡eh,eh,eh olé y requeteolé¡, Recontra con la mozita
  3. Intermedio Eso les pasa a las hembras
  4. Coro: "Ole los niños con esbeltez"
  5. Guajira: "Cuando clava mi moreno", Cuando clava mi moreno
  6. Duo de Felipe y Mari Pepa: "Por qué de mis ojos"
  7. Escena: "No hay nadie dentro", Nadie,van a dar las diez,Esto no es vida,Lo mejor será quedarnos en completa oscuridad
  8. Final

 PERSONAJES

Felipe, vecino del patio y admirador de Mari Pepa (tenor) o (baritono)
Atenedoro, vecino y enamorado de Mari Pepa (actor)
Tiberio, vecino y enamorado de Mari Pepa (actor)
Cándido, vecino enamorado de Mari Pepa (actor)
Mari Pepa, planchadora conocida como la revoltosa (soprano) o (mezzosoprano)
Gorgonia, esposa de Cándido (actriz)
Encarna, esposa de Tiberio (actriz)
Soledad, novia de Atenedoro (actriz)
Chupitos, aprendiz de Cándido


Director Ataulfo Argenta,con Ana María Iriarte, Inés Rivadeneira, Manuel  Ausense, Selica Pérez Carpio, Miguel Ligero, Rafael López Somoza y  Perecito.

jueves, 28 de junio de 2012

La era del baile. Chuby Checker rey de twist

Si quieres empezar bailando  entra aquí:  * I love to twist)  
o si lo prefieres aquí *swingin' twist)

Durante los años sesenta el baile se convirtió en una moda que continuamente pedía innovaciones. En Estados Unidos, el twist se erigió en el baile más popular. Desde 1960,  Chubby Checker y The Isley Brothers llevaron el twist al resto del mundo; se crearon manuales para aprender sus pasos, que consiste en mover de un lado a otro la cadera, girando las rodillas, desplazandose de adelante hacia atrás , de lado o de arriba hacia abajo.
Fue el primer baile de salón que se pudo bailar sin pareja.
 Pero ese no fue el único baile de los sesenta. 1961 fue el año del continental; después llegaron el madison y el watusi.
En 1962, la novedad era Locomotion. En 1963 surgieron el monkey, el bird, el bounce, el shake y el dog.
En 1964, apareció The jerk, que se convirtió enseguida en un baile de moda. En el mismo periodo tuvo lugar el nacimiento del swinm, el boo-galoo y el see-saw. Pero esquema sin rostro este fenómeno es el twist, y con el rey, Chubby Checker.
A principios de 1960 Checker era un desconocido de la compañía Cameo- Parkway, pero tuvo la suerte de estar en los estudios donde se grababa el programa televisivo American Bandstand, el día en que Hank Ballard anunció que no acudiría para cantar su sencillo The twist. El presentador buscó en el estudio a algún cantante y eligió al joven Chubby Checker, quien canto The twist y asistió la escalada por las listas de su versión, que llegó el primer puesto.
Chuby Checker, de verdadero nombre Ernest Evans, nacido en Filadelfia en 1941. Trabajando en una carnicería, subjefe le oyó cantar y le presentó  a un amigo, Karl Mann, que dirigía la compañía Cameo- Parkway.
Mann hizo firmar un contrato a Ernest y lo rebautizó con el nombre de Chuby Checker. Antes que en 1960, Checker había grabado cuatro discos de poco éxito, imitando a los cantantes de más empuje, de Elvis a Fats Domino. Después llegó The twist el éxito internacional, la razón de este entusiasmo radicaba en la forma de moverse de Checker, en aquellos pasos que se hicieron famosos en todo el mundo.
Le llamaban para hacer demostraciones en todas partes, pero ni siquiera Checker esperaba que el twist durase siempre, así que volvió a grabar.
El nuevo sencillo era otro tema de baile, The huncklebuck, que llegó al número 14 de las listas. En Mayo de 1961 volvió al número 1 con Pony time.
Menos éxito tuvo Dance the mess around, que apenas llegó a la posición 20 convenció a Chubby de la necesidad de permanecer en un terreno más seguro. Let’s twist again demostró que había un mercado para el twist.

A fines de 1961, corrió la noticia de que el twist estaba de moda entre la gente chic mayor de Nueva York. Ese sofisticado público contribuyó a mantener el éxito del twist: los locales empezaron a contratar bandas de twist, y todas las compañías a recuperar aquellos discos.
Chubby había sacado otro disco, The fly, pero fue la reedición de The twist que volvió al número 1 de las listas. En este punto el twist estaba listo para invadir el mundo; en Inglaterra, let’s twist again logró el número 1 en enero de 1961, pero el boom apenas duró un año.
Mientras, Chubby se había metido en el cine; en 1961 fue la estrella de Twist around the clock; luego apareció en Don’t knock the twist, con Gene Chandler y The Dovells.
Luego siguió grabando canciones de poco éxito, como Birland y She wants to swin, y en 1964 intentó seguir el camino del folk con Black cloud, y el del surf con Surf party.
 
En 1969 volvió a conseguir otro pequeño éxito cantando una versión de Back in the USRR, de the Beatles, pero tuvo que esperar seis años para volverse a encontrar en el top 10, con otra reedición, como nº 1, de Let’s.twist again.
En 1961, en pleno apogeo de la " twistmanía", los dueños de la discoteca Peppermint Lounge, alcanzaron una gran audiencia, con el exito de un grupo local de Jersey, Joey Dee y la Starliters, que con la canción The Peppermint Twist fueron entonces el nº 1 en los Estados Unidos. Como curiosidad, en esta sala se originaron las primeras "go-gós", chicas que salian a bailar subiendose a una mesa.

Cabe citar a Bill Haley & His Comet, con sus exitos The Spanisc twist, Twister y Florida twist.
Este último tema fue exito en Mejico de Enrique Guzman, que era el cantante de los Ten Tops, la voz de la juventud latinoamericana Florida Twist en español 
y siguieron otros como Popotitos


NO TE PIERDAS ....
*** original pase de Twist
***Extraordinaria cancion de The Beatles  Twist and shout 
***Jackie y los Ciclones Twisteando hasta el amanecer
***Uma Thurman & John Travolta Bailando twist en Pulp Fictión
*** ¿quieres ver un esqueleto bailando twist? aquí Voz de Los Teen Agers
*** Luis Aguilé  con A bailar el twist 
 *** Duo Dinamico con Bailando el Twist 
*** Miguel Rios con Twist 
*** Rita Pavone con Il ballo del mattone 
*** Sergio Inostroza con el Twist del tren

martes, 26 de junio de 2012

La música inglesa (29)

Desde los orígenes hasta la conquista normanda

El carácter insular de Inglaterra no sólo tiene un papel importante en su destino político, sino que también ha influido en el desarrollo histórico de su música y de su literatura. Esta situación geográfica le ha permitido forjarse un lenguaje musical profundamente original desde los primeros siglos de su historia: la insularidad ha acentuado este parlamento conservador que late en todo inglés, temperamento que es por otra parte fruto de la propia situación de la isla, y que muchas veces ha corrido el riesgo de transformar tal originalidad en tradicionalismo particularista. Felizmente el estrecho que separa la isla del Continente no ha impedido fructíferos contactos e intercambios que no cesaron durante los siglos XII, XIII y XIV.
Es sabido que Inglaterra fue evangelizada hacia finales del siglo VI por el monje San Agustín, (que no debe ser confundido con el autor de la Ciudad de Dios).
En el siglo siguiente el cristianismo extendió su luz hasta la vecina Irlanda, que gracias a San Galo y San Columbano se convirtió en el más brillante foco de civilización cristiana, anterior al Renacimiento carolingio, y que envió misioneros y maestros a toda Europa.
Se ha perdido por completo cualquier resto o noticia de música profana correspondiente a estos siglos la primera manifestación de independencia musical parece ser su canto llano. Muy pronto, en efecto,  se estructuró un rito independiente de Roma que se desarrolló alrededor de la catedral de Salisbury (Sarum en latín). Este rito de Sarum ha pervivido hasta nuestros días en la diócesis católica de Salisbury (téngase presente que es el canto llano no gregoriano más rico y vivo junto al ambrosiano milanés), además, llegado el momento de la Reforma, sirvió de base a la liturgia anglicana.
Al igual que el ambrosiano, se trata de un rito más rico y florido que el gregoriano, y prefiere el vigor de la expresión a la pureza de líneas ideal de la litúrgica romana. La importancia de la liturgia de Sarum en la historia de la música inglesa no necesita ser subrayada: proporcionarán el cantus firmus a los polifonistas ingleses, así como la inspiración para los músicos de la Reforma. Este rito o fue codificado, con el nombre de Usus Sarum, a principios del siglo XIII.
Tañedor de viola.
Capitel de la catedral de Exeter
Foto Sydney
Aunque no poseemos otro resto anterior a la conquista normanda, todos los testimonios están de acuerdo en señalar una tradición musical antigua y bien estructurada. En el campo capital de la polifonía parece correcto  aceptar que las Islas Británicas, apoyándose en auténticas tradiciones populares, han conocido una música y varias voces antes que el Continente. El célebre teólogo y teórico Juan Scotto Erigena (810. 877) escribe con detalles polifonías a dos voces que él denomina ya organa.

De la conquista normanda hasta la guerra de los cien años (1066-1400)

En estos siglos triunfa la influencia franco normanda en Inglaterra. La conquista normanda primero, y después la influencia creciente de los reyes de la dinastía Plantagenet sobre una parte del territorio francés, explican la importancia nunca igualada después en las relaciones culturales entre ambos países; recuérdese este respecto que el francés fue durante estos siglos la lengua de la corte, de la nobleza y del clero. El antiguo idioma sajón usado por el pueblo, se matizó gracias a la aportación de millares de palabras francesas que eran todavía en la actualidad un carácter particular en el seno de las lenguas germánicas. La presencia en la corte real de innumerables trovadores y troveros franceses explica por otra parte que las primeras monodias profanas que conocemos este en compuestas sobre textos franceses o cuanto menos bilingües .
Sin embargo, la aportación  original de la Gran Bretaña sajona posee otro interés: hecho único en Europa, allí floreció un estilo polifónico autóctono de tipo popular que muchos cronistas y teóricos evocan con admiración.
A finales del sigloXII,  Giraldus Cambrensis hace notar la existencia de un canto a muchas voces que ya era practicado desde hacía mucho tiempo en las regiones más alejadas del país: Irlanda, Escocia y Gales, lo que permite creer que se trata de una aportación de los invasores daneses y noruegos.
Esta polifonía mantiene un carácter de profunda originalidad gracias al empleo sistemático de intervalos de tercera y de sesta que entonces eran considerados disonantes con el continente; como es bien sabido la primera polifonía continental está fundada en el uso de intervalos de cuarta y quinta (llamados organales), mucho más rudos para nuestra actual sensibilidad.
En el Yorkshire (norte de Inglaterra) se practicaba el canto a dos voces, y esta variedad inglesa de la diafonía era llamada gymel (del latín gemellus, gemelo). Este canto “ gemelo” se caracterizaba no solamente por el empleo de terceras, sino también por el frecuente cruzamiento de las voces. Tal polifonía parece haber conocido también el empleo del canon.
 El mismo cronista anteriormente nombrado cita los instrumentos entonces en uso: cítara y tímpano en Irlanda, a los que se añadía en Escocia el “ crouth”, especie de viola, y la flauta en el país de Gales.
Monjes tocando la flauta de pico,
la flauta travesera, la viola de brazo,
el laúd y el dulcemelos:
en el suelo un arpa.
British Museum
Este fondo original se enriquece a partir del siglo XIII cuando la universidad de la Sorbona, recientemente fundada, atrajo cada vez con mayor intensidad a clérigos y teóricos hacia París: allí los músicos ingleses tuvieron ocasión de familiarizarse con las obras maestras de la escuela de Notre Dame, a la que ellos aportaron su propia tradición, pero de la que también sacaron enseñanzas para el ars antiqua inglesa. A partir de esta época empiezan a ser numerosos los textos, principalmente en el aspecto de la música sacra.

Primeros textos

Fechado en el siglo XI, casi contemporáneo pues de la conquista normanda, el famoso “ Tropario de Winchester” contiene más de ciento cincuenta organa a dos voces. Desgraciadamente la notación con neumas sin pautado ni claves hace imposible una lectura precisa de estas polifonías, anteriores en más de un siglo a las de Leonin.
Sin embargo podemos descifrar un responso a dos voces de principios del siglo XII, “Ut tuo propitiatus”, muy próximo a las primeras obras de la escuela de San Marcial de Limoges. Por su parte el himno a San Magno, “nobilis, humilis", escrito a finales de siglo en las islas Orcadas, es un ejemplo excelente de gymel nórdico a dos voces.

Los teóricos

Importantes tratados teóricos confirman la posición de vanguardia de la música inglesa en esta época. Después del “ Speculum Caritatis” de Aelred (mediados del siglo XII), debe citarse el “De musica mensurabili” de Johannes de Garlandia, que nació hacia 1190 y vivió en Paris a partir de 1212. Pero el más importante tratado se debe a un monje anónimo de Bury Saint Edmuns, del que sabemos que estudió también en la Sorbona; os ha dejado todas sus notas del curso, lo cual es una fuente importantísima para nuestro conocimientos de la escuela de Notre Dame.

El ars antiqua

Los principios ejemplos de ars antiqua inglesa se encuentran en los manuscritos de Worcester y de Bury Saint Edmuns. Se trata principalmente de obras originales de Worcester (ciudad situada al oeste de Inglaterra, y por lo tanto más distante de la influencia continental); estas obras enriquecen su polifonía con la plenitud que les comunica el uso de intervalos de tercera y de sexta; la obra titulada  Redit aetas aurea, compuesta para la coronación de Ricardo Corazón de León (que fue también músico) es un buen ejemplo de este estilo.
Aunque al contrario de lo que ocurría en Francia, en Inglaterra la composición de organa no se interrumpiera a lo largo del siglo XIII, esta época presentó o también la aparición de los primeros motetes, de texto múltiple, a base de la superposición de versos latinos e ingleses (práctica que por otra parte también será en el Continente). La costumbre inglesa de la inversión de las voces (conseguida cuando una voz canta una parte de la melodía cantada anteriormente por la otra y viceversa) complica aún más la estructura.
Wordles blisce es el primer motete con textó inglés, y como ejemplo de polifonía fundada sobre el principio del gymel podemos citar a además Fowles in the frit, Edibeo thu y Jesu Cristes milde moder. Pero la más célebre y sorprendente composición de esta época es el famoso Summer is icumen, escrito hacia 1270-1280, primer ejemplo de polifonía a seis voces tratadas en doble canon de la manera más sonora e ingeniosa posible: las dos voces inferiores repiten, en forma de canon, un muy sencillo bajo obstinado. La presencia de semejantes bajos, llamados “pes” (pie), es frecuente además en la polifonía inglesa de la época.
Por su gran dominio del escritura y su plenitud sonora sumer is icumen in constituye un excelente ejemplo del adelantó que poseía entonces la música inglesa sobre la del Continente. Su originalidad provenía principalmente de la riqueza sonora que proporcionan las terceras y sextas paralelas a un gran número de voces (tal “discanto  inglés” fue sometido a normas a principios del siglo XV, pasando al continente y transformándose en el fasbordón); otro factor de originalidad lo constituye la presencia de pes, así como la integración original de tenores gregorianos que podían aparecer en cualquier voz o incluso en varias voces sucesivamente (cantus firmus migrans).
 Guerrero en busca de diversos instrumentos.
Lámina reproducida de un catálogop de astrología del S XIV
British Museum . Londres


El siglo XIV


Nuestro conocimiento de la música inglesa del siglo XIV está limitado por la escasez de fuentes,  dispersas y fragmentarias; no existe ningún manuscrito completo o anterior al de Old Hall. Parece que los dos grandes centros musicales continúan siendo Woncester y la abadía de Bury Saint Edmuns, esta última más abierta a las influencias continentales como consecuencia de su situación geográfica, y por lo tanto o menos conservadora: a través de Bury y los descubrimientos rítmicos del ars nova penetrarian en Inglaterra, enriqueciendo los recursos de la polifonía local sin alterar profundamente la materia de la misma.
Desde mediados de siglo se encuentran motetes y fragmentos de misas que obedecen a la escritura isorrítmica.
Contrariamente a Guillaume de Machault,  los músicos ingleses escogen su tenor fuera del canto llano de la misa, prefiriendo acudir a responsos, antífonas o secuencias, e incluso renunciando totalmente al canto llano.
 En esta época el Kyrie gozaba de la predilección de los compositores, inclinación que desapareció en los siglos siguientes.
En cuanto a la música profana en la época no incorporó las novedades rítmicas del ars nova hasta finales de siglo, y los raros ejemplos que poseemos revelan una inspiración fresca y espontánea, muy alejada del complejo intelectualismo que caracteriza el ars nova Continental. En resumen, el siglo XIV inglés constituye uno de los capítulos más oscuros de la historia de la música.


El manuscrito de Old Hall.

El manuscrito de Old Hall (en el oeste de Inglaterra) contiene principalmente obras litúrgicas: numerosos fragmentos de misas (con excepción del Kyrie), antífonas, secuencias y motetes. Se trata esencialmente del repertorio de la capilla real de Enrique IV  y Enrique V; el propio Enrique IV está aquí representado a través de un Gloria y un Sanctus. Entre la veintena de compositores agrupados, algunos parecen por su nombre de origen francés (por ejemplo Pycard, Gervays Mayshuet). Entre los restantes Aleyn (Magíster Alanus), Byttering y Excestre parecen ser los más destacados.
Byttering se distingue por unos complejos y cultos motetes isorrítmicos de influencia francesa ,(escucha  En Katerina solennia),  en tanto que el notable Gloria a cinco voces de Pycard revela por primera vez con su estructura en doble canon la aportación de las caccie italianas.


El principal compositor de Old Hall y contemporáneo más importante de Dunstable es Leonel (o Lionel) Power quien trabajaba en Canterbury y que además de un tratado de teoría, nos ha dejado unas cicuenta composiciones, fragmentos de misas (isorrítmicas) y motetes dedicados principalmente a la virgen. (Escucha  Beata progenies)
Si las obras de su primer estilo conservan todavía una cierta rudeza arcaica, las escritas hacia el fin de su vida, conservadas en manuscritos del norte de Italia posteriores a 1430, y en los que se hallan mezcladas con composiciones de Dunstable, se acercan tanto al estilo de este último que más que una vez plantean delicados problemas de atribución.
Parece correcto considerar a Lionel  Power como el verdadero creador de la misa cíclica, fundadas sobre una única melodía litúrgica: su misa Alma Redemptoris Mater, es precursora, en efecto, de la de Arnold de Lantins, en tanto que la misa Rex saeculorum se atribuye indistintamente a Power y a Dunstable.
La resurrección de los muertos, al son de las trompetas
el dia d Juicio Final.
Panel de alabastro inglés S XIV
John Dunstable
Gracias a éste, Inglaterra, medio siglo después de su primer gran poeta Chaucer, halla su primer compositor de envergadura, John Dunstable, músico al servicio del duque de Bedford, fue también matemático y astrónomo. Pasó una gran parte de su vida en el continente, en Francia y seguramente en Italia, donde se hallan la mayor parte de sus manuscritos y donde seguramente encontró a Dufay. Murió en 1453.
 Entre las sesenta y siete composiciones que de él conservamos, solamente tres son profanas. Al igual que Dufay, toma de los músicos florentinos la idea del canto con acompañamiento instrumental. Poseemos importantes fragmentos de misas, pero sus páginas más célebres son las que corresponden a una canción profana sobre texto italiano o rosa bella”, y al motete “Veni Sancte Spiritus” compuesto probablemente para la coronación en Notre Dame de París de Enrique IV como rey de los franceses.
La gloria de Dunstable consiste en haber elevado el lenguaje nacional inglés a nivel universal. Su nuevo estilo “panconsonante” (según denominación de Manfred Bukofzer), fundado no sólo en las armonías típicamente inglesas de terceras y sextas, y en el empleo de la tercera melódica, pero también en la preparación y resolución de las disonancias, ejerció profunda influencia en la música posterior. Esta eufonía perpetua perfectamente alcanzada en una obra maestra como es el motete Quam pulchra es, señala la línea divisoria entre la música medieval y el renacimiento.
Más que en Dufay la influencia del estilo de Dunstable nos parece sorprendente en Guilles Binchois (existen por otra parte manuscritos de Dunstable en Dijon, ciudad en la que residió Binchois).
La plenitud de la materia sonora, la gracia y la elegancia expresiva de la curva melódica, la perfección del contrapunto son características de un gran maestro.

El siglo XV


El reino de Inglaterra conoce a lo largo de esta centuria importantes cambios: después de la batalla de Azincourt y el tratado de Troyes la supremacía inglesa parecen duradera y sin límites; pero a mediados de siglo los ingleses son progresivamente expulsados de Francia, y recién terminada la guerra de los Cien Años el país se hunde durante treinta años en una atroz lucha civil, la guerra de las Dos Rosas, que debía terminar con el advenimiento al trono del primer rey de la dinastía Tudor, Enrique VII  (1485).
Una vez más la evolución de la historia musical parece haber seguido a la de los acontecimientos políticos de la nación: el primer tercio del siglo es extraordinariamente brillante; Dunstable y sus contemporáneos darán una vez más la tónica a Europa, y bajo su influencia la gran escuela franco flamenca registrará un gran desarrollo gracias a Guillaume Dufay.
En cambio asistimos, hacia mediados de siglo, a un importante descenso de la producción musical; pero cuando, con la vuelta al orden, surge una nueva floración del arte de la música, ésta se desenvuelve ya en un ambiente local y sin incidencias exteriores: en lo sucesivo Inglaterra ya no desempeñará un papel internacional de primera fila, ni siquiera en el apogeo de su edad de oro que corresponde al reinado de Isabel I o en la misma época de Purcell.

El siglo XV está delimitado musicalmente en Inglaterra por dos manuscritos de importancia capital. El llamado Old Hall (del que ya he hecho referencia)nos permite conocer el nombre de muchos compositores, de tal suerte que a partir de este momento o la música anónima será la excepción y no la regla. Este manuscrito, que incluye muchas composiciones escritas antes y después de 1400 nos permite conocer el estilo musical que precede al de Dunstable; por otra parte el espléndido Eton Choir Book es una fuente histórica de primera categoría para el conocimiento de la música en el principio de la era Tudor.
Aunque el siglo XV no aporte todavía una música instrumental original, es preciso mencionar la construcción de órganos en numerosas iglesias del país.

Los sucesores inmediatos de Dunstable son de mediana importancia; conviene citar entre ellos: Johannes Bennet;
John Hothby que fue ante todo un teórico que vivió veinte años en Lucca, Italia;
John Bedingham, autor de muchas misas.
John Plummer, que permaneció la capilla real hasta 1462 y que poseer un motete que utiliza ya la imitación continua. (Escucha Tota pulchra)
Dos notables compositores permanecerán en la corte de Borgoña al mismo tiempo que Binchois: Walter Frye y Robert Morton. Llegamos así a finales de siglo y a los compositores representados en el Eton Choir Book.
Esta admirable recopilación contiene algunos magníficat así como antífonas y misas, es decir, las tres grandes formas musicales de finales del siglo XV.
Estas obras están escritas para cuatro hasta nueve voces, pero generalmente a cinco.
John Browne, canónico de Westminster, autor de quince motetes, entre ellos un espléndido Stabat Mater, parece ser la personalidad dominante del grupo aunque Richard Davy que trabajó en el Magdalen College de Oxford, debe retener nuestra atención como autor de una Pasión según San Mateo a cuatro voces, la primera que se conoce (anterior incluso a la de Obretch) que ponen música las palabras de las turbae y de los personajes de la pasión, aunque no la de Jesucristo. Citemos además a Walter Lambe, de Windsor y a Robert Wilkinson.
Todo este repertorio posee el esplendor un poco pesado de la arquitectura flamígera que edificaba entonces sus obras maestras en Inglaterra.

Fairfax y sus contemporáneos

Robert Fairfax efectúa, al igual que Josquin Des Prés, la unión entre el siglo XV y XVI. 
Sirvió durante cerca de treinta años en la corte de Enrique VII y después en la de Enrique VIII, a quien acompañó con ocasión de la entrevista de éste con Francisco I de Francia en el Drap d’or” (1520).
Estas actividades no le impidieron ocupar (desde 1498 hasta su muerte) el cargo de “ informator chori” en la abadía de San Albano, donde abrió llena de honores y siento Dr. en música por la Universidad de Cambridge.
Lápida sepulcral de un chantre de la Catedral de
 Canterbury y Exeter
 Conservamos de el seis misas (sin kyrie según la costumbre inglesa), doce motetes, dos magníficat y algunas obras profanas.
Las misas más notables son “Tecum principium”, “ Regali ex progenie” (según su magníficat del mismo nombre), y “O Bone Jesu”. Esta última forma un auténtico ciclo litúrgico con el magníficat y el motete del mismo nombre, al descansar las tres obras sobre el mismo cantus firmus.
Técnico eminente con una rítmica compleja, su inspiración es muchas veces bastante feria y al lado de páginas vigorosas y nobles como las del motete “Aeterne laudis lilium”, encontramos con excesiva frecuencia largos desarrollos de monotonía grisacea y de contorno de brumoso.
Sus contemporáneos más notables son John Horwood (algunos motetes);
Thomas Packe (dos misas, un te deum, algunos motetes)
Robert Jones (autor de una misa y uno magníficat, que no debe ser confundido con su homónimo el autor de piezas para laúd de la época isabelina), y principalmente Ashton y Cornyshe.

Hugh Ashton no solamente es el autor de dos misas y siete motetes, sino también te un “ Hornpipe” sin duda la más antigua pieza original que poseemos para virginal.
En cuanto a William Cornyshe amigo personal del rey Enrique VIII (compositor notable a su vez, del que conservamos algunas de primeras fantasías instrumentales), y al que siguió en todos sus viajes, fue igualmente poeta y actor, escribiendo numerosos “divertimentos” para corte (texto y música), y de los que se conservan muy pocos. (Escucha Ah, Robin, gentle Robin)
Pero conocemos canciones numerosas y atrayentes a tres voces y algunas obras instrumentales, que figuran en un manuscrito al lado de las creaciones musicales de su soberano.

El siglo XVI (hasta 1588)

Si fijamos en 1588, fecha de la victoria sobre la armada invencible, el inicio de la época isabelina, ello es debido, a que, por una parte, el verdadero desarrollo de la música data de la aparición de los Psalmes, sonets and songs de Byrd, hecho que dar la señal de una intensa actividad en el campo de la edición musical, hasta entonces muy pobre; y, por otra parte, al hecho de que los más importantes músicos de la época precedente, Tye y Tallis, vivieron hasta finales de siglo.
Es cierto que William Byrd, nacido en 1543, había escrito ya obras importantes antes de 1588, pero este gran maestro, puente entre dos épocas de la música inglesa, será muy fecundo hasta el fin de su larga carrera, convirtiéndose así en el Néstor de la joven música isabelina.


El hecho dominante de la historia inglesa del siglo XVI es evidentemente la aparición de la Reforma; tras la importante década que va desde 1530 a 1540, y exceptuando la breve pero sangrienta reacción católica que tiene lugar en el reinado de María Tudor (1554-1558), el protestantismo dominará la vida religiosa del país: a partir de Enrique VIII el anglicanismo se convierte en la religión de Estado; ello pondrá a más de un compositor en un doloroso caso de conciencia que no se puede resolver siempre con la brutal intransigencia de un Taverner. 
Sin embargo y a pesar de las obras maestras Byrd o de Gibbons, por ejemplo, esta época representada la verdadera edad de oro polifonía sacra en Inglaterra, con los prestigiosos nombres de Taverner, Tye y Tallis (las tres grandes T), así como sus émulos.
Fragmento de un motete inglés de S XVI
Caeleste beneficium introivit
Maria Virgo
British Museum.Londres
Como los ideales del Humanismo y del Renacimiento llegaron tardíamente Inglaterra, esta música sacra es latina durante la primera mitad de siglo, continuando las tradiciones medievales aunque llevándolas a un grado de esplendor y de riqueza que el continente no ha llegado a conocer jamás: este estilo gótico tardío (del que sólo hayamos alguna equivalencia en Pierre de la Rue) está incompleta armonía con la decoración muy recargada de las iglesias inglesas de la época notables por sus complicadas galerías situadas entre la nave y el presbiterio. A partir de la segunda mitad del siglo la mayoría de los compositores escriben indistintamente para los cultos romano y anglicano (Byrd hará lo mismo todavía) estableciendo así los fundamentos de la liturgia reformada.
La música religiosa nos parece tan importante porque en los demás campos los textos que han llegado hasta nosotros son más raros. Sin embargo, este siglo es el que presenció el nacimiento de todos los géneros musicales que debían constituir la gloria de la época isabelina. Así las canciones polifónicas con o sin acompañamiento instrumental, la colección de Ayres de Tomas Whithorne es la más importante entre los precursores de los grandes madrigalistas) así las primeras obras para teclado, fechadas a principios del siglo (el Mulliner Book fechado hacia 1540-1550 es la primera manifestación importante de la escuela de los virginalistas); asi los gloriosos nombres de Taverner, Tye y Tallis que inaugurarán la extraordinaria floración de la música compuesta para conjunto de violas (consort of viols), orgullo de la música inglesa; así, para terminar, la figura de Robert White que destaca en las composiciones para laúd. Los cimientos estaban puestos, y de ellos tibia surgir el extraordinario desarrollo posterior.
Avanzando con independencia de cualquier influencia continental, esta producción musical atestiguan profunda originalidad la decisiva estancia de Cabezón en 1553-1954, que permaneció en Londres acompañando a Felipe II, no producirá sus frutos hasta una época posterior, la de Byrd, Farnaby y Bull; el madrigal italiano no influye, por los mismos motivos, hasta una generación posterior, la de 1570-1580.
Sorprende que a tanta actividad creadora corresponda una carencia casi absoluta en el campo de la edición musical. Excepción hecha de algunas obras aisladas, los impresores londinenses sólo nos ofrecen una única colección XX Songs (1530) a tres o cuatro voces, debidos a distintos autores. Después de ello limitan sus esfuerzos a la publicación de tres mitos para laúd traducidos del francés (entre 1560 y 1570). En 1571 Whythorne pública su ya citada colección de Ayres, y cuatro años más tarde Tallis y Byrd, que acaban tener de la reina Isabel un privilegio exclusivo la edición musical, publican conjuntamente una importante recopilación que Cantiones sacrae. Por falta de capital detuvieron su producción hasta 1588,tres años después de la muerte de Tallis.

John Taverner. La luz del genio que no tenía Fayrfax brilla en la obra de John Taverner (1495-1545). Su periodo de creación fue muy breve: a lo sumo unos doce años.
En 1526 el cardenal Wolsey le nombró “informator” (es decir, maestro de coro y organista) del Cardinal College fundado nuevamente (hoy día Christ Church College) en la universidad de Oxford. Pronto se relacionó con los elementos luteranos del college fue detenido en 1528 bajo la acusación de herejía. Puestos en libertad a instancias del cardenal, que le disculpó diciendo “que era solamente un músico” abandonó sin embargo Oxford por su ciudad natal de Boston, renunciando desde entonces por completo a la música; se entregó hasta su muerte, con fanatismo cruel, a la lucha anticatólica, participando con furor en la destrucción de monasterios, órganos y obras de arte de las iglesias. Renegó también de sus obras, acusándolas de “cancioncillas papistas”, pero afortunadamente no las destruyó.
Su producción está, efectivamente, dedicada por completo a la música sacra latina, y poseemos de el ocho grandes misas,tres magníficat y numerosos motetes. Ya escoja como punto de partida un tema gregoriano (así en sus tres grandes misas a seis vocesO Michael”, “Corona spinea” y Gloria tibi Trinitas”) o una canción profana (se trata del primer inglés que la usa en la espléndida misa “Western Wynde”, (Escucha el Gloria)
Taverner se nos presenta siempre como un genio inspirado por un ardiente misticismo. Sus largas volutas melódicas domina con una inspiración admirable, olvidando muchas veces el soporte de la palabra hasta el punto de desarrollarse ampliamente sobre una sola sílaba, en una pugna efusión de lirismo contemplativo.
Su arte polifónico sólo es igualado por su estupenda audacia armónica (véase para ello su misa Gloria tibi Trinitas, sin duda su obra maestra). Sus motetes (en particular “Dum transisset sabbatum” y el responso para las completas “In pace in idipsum”) son de igual valor tanto además Taverner representar el origen de una forma importante de la música instrumental inglesa llamada “in nomine”. Se trata de una fantasía polifónica confiada preferentemente a las violas pero también a voces un cantus firmus en valores iguales. Este cantus firmus es siempre la antífona para las segundas vísperas del domingo de la Trinidad, Gloria tibi Trinitas según el rito de Sarum ahora bien, en el “Benedictus” de su misa de este nombre Taverner había desarrollado el episodio sobre las palabras in nomine, de modo que engloba el sistema entero en valores iguales, y este Fragmento, de un espíritu puramente instrumental, que ha despertado general admiración hasta el punto de suscitar rápidamente una transcripción para órgano y después para violas: Tye, seguido de Tallis, Parsons y otros, escribieron a su vez fantasías instrumentales sobre el mismo tema.
Contemporáneos de Taverner. Los más destacables son:
Tomas Ashwell, maestro de capilla de Lincoln (misas y motetes);
Nicholas Ludford autor de catorce misas,
John Shepherd escribimos un importante producción sacrae dedicada a ella a los dos cultos;
Robert Johnson músico escocés de notable inspiración tanto en sus doce motetes como en sus piezas para teclado y conjunto de violas;
 finalmente William Shelbye, organista de Canterbury y John Redford que fue vicario en San Pablo de Londres, autores de interesantes piezas para teclado incluidas en el “ Mulliner Book”.

Tye y sus contemporáneos. Nacido en 1498, Christopher Tye, la segunda gran “T” de la música inglesa sobrevivió veintisiete años a Taverner, pues murió en 1572.
 Fue maestro de coro de la catedral de Ely durante el periodo comprendido entre 1541 y 1561, recibiendo después órdenes sagradas por la iglesia reformada.
Entre sus numerosas obras sacras latinas están su misa Western Wynde, de gran lozanía melódica, y sus grandes motetes de poderosa inspiración como el “Miserere” o el “Omnes gentes plaudite”. Para el culto reformado escribió páginas de igual importancia; su obra más célebre está dedicada al rey Eduardo VI: se trata de los “Acts of the Aposttles” composición a cuatro voces sobre una versión métrica inglesa de los catorce primeros capítulos de este libro sagrado. Le debemos también notables in nomine para conjuntos de violas. Entre sus contemporáneos destaquemos a Richard Edwards autor de algunas canciones y colaborador en el nuevo salterio reformado de Day.
William Whytbroke, autor de algunas obras religiosas tanto para el culto latino como para el anglicano;
Roberto Parsons autor de numerosas obras para el culto reformado, pero al que debemos asimismo hermosos I nomine para conjuntos debió atrás, así como la la admirable canción titulada “Pandolpho” de patético sentimiento; finalmente Robert White yerno y alumno de Tye, a quien sucedió en Ely antes de morir muy jovencito, maestro de capilla en Westminster. Sus motetes latinos y sus “anthems” (composiciones religiosas anglicanas inspiradas en textos que son paráfrasis de la Biblia) igualan en calidad a los de Tye, si bien escribió cómo este algunos I nomine para violas, le debemos igualmente obras para teclado e incluso para laúd (indudablemente las primeras de este género en Inglaterra).

Thomas Tallis. Gracias a su longevidad fue el más importante compositor inglés de la época. Después de pasar su juventud que has escrito a numerosas catedrales y abadías (fue expulsado de la abadía de Waltham en 1540 con ocasión de la disolución general de monasterios), sirvió como organista y maestro de la capilla real a cuatro monarcas desde Enrique VIII hasta Isabel I.
Su carrera culmina en 1575 cuando la reina le concedió, junto con su alumno Byrd, el monopolio de la edición musical.
La obra de Tallis es inmensa pero gran parte de su producción profana instrumental ha desaparecido; los pocos madrigales, In nomine para violas y obras para teclado (órgano o clave) que conservamos, poseen el mismo elevado nivel de su música sacra.
Ésta se reparte entre los dos cultos, pues Tallis compuso música para el rito latino hasta el fin de su vida, como lo atestigua los diecisiete motetes que figuran en la colección impresa de las “cantiones sacrae” de 1575, junto a un número semejante de obras de Byrd.
Por su dominio de la escritura Tallis supera a todos sus contemporáneos intereses o extranjeros.
Sin embargo su motete a cuarenta voces (ocho coros a cinco voces) “Spem in alium non habui” único en su género, no es solamente una pieza de gran dificultad sino también una obra de arte bella e inspirada. Sus misas, motetes (citemos entre ellos “In jejunio et fletu”, responsos y himnos pertenecen a las ilustraciones del culto católico pero la obra maestra para el culto latino lo constituye sin duda las “lamentaciones Jeremiae” a cinco voces masculinas compuestas para el Jueves Santo. Encontramos en ella las punzantes disonancias falsas relaciones propias de toda la música inglesa comprendida entre Tallis y Purcell, y que se deben, al uso simultáneo en el marco de la polifonía, de las dos formas, ascendente y descendente, de la escala menor.
En el campo de la música para el culto reformado, Tallis es igualmente importante, y sus obras se cantan todavía hoy a mayor parte de las catedrales de Inglaterra, se trata de “services” (como por ejemplo los Maitines y Vísperas en el modo dórico) himnos o anthems (Tallis debe ser considerado, más que Tye o R. White, como el gran creador de este género). En sus “Canticles” simplificó la polifonía recolocar su música al alcance de la masa de fieles.

Doble virginal de Hans Ruckers.
Amberes, 1591
Metropolitan museum of Art, N York
Contemporáneos:   Entre ellos se encuentran John Merbecke autor de “Book of common prayed noted” que es la recopilación oficial de la nueva liturgia anglicana pero que posee un valor musical mediocre.
John Farrant, sucesor de White en Ely y después organista de Salisbury, escribió así mismo para el culto reformado, al igual que William Munday adscrito a la capilla real desde 1564 hasta su muerte.
William Blitheman maestro de coro en el Christ Church College de Oxford en 1564 y después organista la capilla real a partir de 1585, es principalmente conocido por sus numerosas obras escritas a teclado de las que quince figuran en el Mulline  Book, fue además el maestro de John Bull.
Richard Farrant miembro también de la capilla real después de haber tenido su cargo el órgano de la de Windsor, compuso hermosos anthems, piezas para teclado y canciones con acompañamiento de violas.
Finalmente Tomás Whythorne debe ser considerado como el auténtico pionero del madrigal inglés: su colección de “ayres”, canciones polifónicas a tres, cuatro y cinco voces, publicadas en 1571, precede en unos veinte años al gran florecimiento de los madrigalistas. Whythorne declara en el prólogo que ha viajado por el continente, y sus obras revelan en efecto la asimilación fecunda de influencias francesas (canciones y danzas) principalmente italianas (madrigales).

Texto de Harry Halbreich

sábado, 23 de junio de 2012

El virtuosimo de la voz.(146)


Virtuosismo en música implica unas habilidades o capacidades técnicas extraordinarias por parte del intérprete de un instrumento musical.


En esta entrada el instrumento musical que voy a tratar es la voz.
La voz,  que contiene muchos y muy variados registros.

Se puede recordar a Yma Sumac, soprano de los años cincuenta, con un rango vocal de 5 octavas, desde un mi2 hasta un mi7 que tuvo la particularidad única,  de interpretar todos los papeles de la ópera desde soprano de coloratura hasta los graves profundos de un tenor con pleno dominio de todos los registros sin el uso de falsete ni del silbido.
***Video-music de Y. Sumac)

Se puede recordar a Georgia Brown, poseedora del registro vocal más amplio del mundo, (mide 8 octavas, desde un sol2,  que es la nota más grave que puede cantar un barítono, hasta un sol10, cinco octavas más agudo que la nota que puede cantar una soprano ).  Sus tonos más altos se encuentran fuera del rango auditivo humano, lo que le hace poseedora de estar inscrita en el Libro  Guiness de los records mundiales.
***(Video.music de G. Brown)


O citar a Tim Storms, que tiene la voz mas grave producida por un ser humano, ( si–2, que equivale a 8 golpes de las cuerdas vocales por cada segundo (8 Hz) Este tono (dos octavas más graves que el si0, que es el si más grave de un piano) también se encuentra fuera del rango auditivo humano. Es record  Guiness.
***(Video -music de T. Storms)



Se podría recordar una cantidad muy amplia  de virtusosos de la voz en la lirica, en la musica pop o en el rock,
pero  he encontrado por su originalidad, el tema de la  "...percusión vocal que se basa en la habilidad de producir beats de batería, ritmos y sonidos musicales utilizando la propia boca, labios, lengua y voz. Puede incluir también el canto, la imitación vocal del turntablism, la simulación de vientos, cuerdas y otros instrumentos musicales...", lo que se llama  "Beat box o beatboxing".

Y citar a  N.Bruto, entre muchos, ganador del campeonato de "Human Beatbox de España" (dentro del evento XXL Jam de 2009)
***( Video-music de N. Bruto).

 Y el grupo The Voca People, una orquesta musical, donde la voz es el unico instrumento. Actuaron en Barcelona, el año pasado, y tengo un gran recuerdo, sobre todo por el buen humor que me crean despues al escucharlos. Su lema es" La vida es música y la música es vida."
***(Video- music de The voca people)


jueves, 21 de junio de 2012

Elvis Presley. El rey del rock and roll

En 1960, el rey del rock and roll contaba 25 años y acababa de concluir su servicio militar de dieciocho meses en una base americana en Alemania. El que fuera signo de la rebeldía de los adolescentes durante los últimos años cincuenta había aprovechado su patriótica partida para lavar su imagen y revisar llano como un peligro potencial para la moral de los chicos y chicas de su edad sino como un vocalista de cualidades excepcionales y, sobre todo, enormemente rentable para la industria discográfica.
 Durante los sesenta Elvis Presley abandonaría temporalmente los conciertos en directo para dedicarse a las películas, pero siguió vendiendo discos. En 1968, su triunfal retorno a los escenarios significaría el inicio del fin: nueve años de gira, que sólo se interrumpirían con su muerte, en 1977, acaecida, como no entre dos conciertos.
A principio de los años 80, antes de la explosiva llegada del fenómeno Michael Jackson, Elvis Presley ostentaba casi todos los records de la historia del rock: más de 700 temas grabados 600 millones de discos vendidos hasta su muerte, 45 títulos vendedores de más de un millón de ejemplares, mil millones de telespectadores en el concierto de Hawai, 1090 conciertos con más de 5000 espectadores, cien Cadillacs… La empresa Presley sigue funcionando. Su ex mujer, Priscilla Beaulieu  publicó una biografía muy rentable, además de aprovechar su condición de “viuda del rey” en series televisivas de gran éxito, su hija inició asimismo una carrera en la canción y de cine. Hay un Elvis Presley Boulevard en Memphis, donde el día del aniversario de su muerte es día de luto o y no se trabaja. Se puede visitar Graceland, su gran mansión, y ver las reliquias del rey, sus vestidos, sus muebles, su tumba, la fuente de Pepsicola que adornaba su jardín, entre muchas otras excentricidades inimaginables.
En el mundo entero, sus pósters siguen estando entre los más vendidos. La reedición en disco compacto ha relanzado las ventas de sus títulos, sobre todo con los recientes cinco compactos que registran sus grabaciones de los años cincuenta. Evidentemente, el mito de Elvis Presley sigue siendo una verdadera mina inagotable de ingresos.

Un muchacho del Sur

Como casi todos los pioneros del rock and roll, Elvis Aarón Presley había nacido en un estado del Sur, concretamente en Tupelo, Mississipí, el 8 de Enero de 1935.
El parto fue muy duro, dado que los exámenes previos no dejaban ver que la madre, Gladys, llevaba en su seno a una pareja de gemelos. Después de nacer Elvis, su hermano gemelo, Jesse Garon Presley, nació muerto, y fue enterrado al día siguiente; todo ello causó una gran desesperación en su madre quien se propuso, a partir de ese mismo día, proteger a su hijo único contra el mundo. Muchos biógrafos han querido ver en este amor fuera de lo normal que ligaría a Elvis con su madre uno de los factores desestabilizadores del carácter del cantante.
Vernón Presley, padre de Elvis, había hecho de camionero, de dependiente y de peón de la construcción, pero no duraba en ningún trabajo; mantuvo a la familia no sin dificultades a menudo se encontraba en el paro. La familia vivía en una modesta casa de la periferia del pueblo con un par de habitaciones y los lavabos en el patio. Elvis tuvo una infancia más o menos normal de blanco de clase media baja de un estado del sur. Acudía regularmente con su madre a la iglesia, y allí tuvo el primer contacto con la música; al respecto, años más tarde declararía: “me encantaba escuchar el coro; resbalaba de las piernas de mi madre para estar de pie de escuchar y cantar junto a él. La iglesia me enseñó lo único que he aprendido sobre canto, todo lo demás ha venido de forma natural”. A los 8 años Elvis canto en público por primera vez, precisamente la capilla de la escuela. El director del centro decidió enviarlo a la Mississipí /Alabama Fair, una feria en la que había un concurso para pequeños cantantes locales. Elvis cantó, en aquella ocasión, Old Shep, una canción popular que había aprendido en casa; la canto sin micrófono ni acompañamiento alguno, de pie sobre una silla y obtuvo el segundo premio, consistente en cinco dólares.
Sus años de juventud los pasó Elvis vagabundeando a espaldas de sus padres en Shakerag el barrio negro de Tupelo, con un amigo de color. En el guetho se topó por vez primera con la música negra, el blues rural que interpretaban en sus horas de ocio los campesinos negros, además de un puñado de artistas que, en número creciente, estaba empezando a introducirse en las radios negras y en las compañías discográficas. El blues seguía siendo, a principios de los años cuarenta muy apreciado por la gente de color en los estados del Sur.
Las radios negras, que todavía eran poco numerosas, no atraían apenas atención de los blancos del Sur, más interesados en la música country, de clara ascendencia blanca, una mezcla de diferentes folclores europeos acomodados por los creadores de una música brincado hora y pueblerina, denominada hillbilly y de corrientes más urbanas y duras, como el honky tonk (nombre que servía para designar a los burdeles de Nueva Orleans y, en consecuencia, a la música, generalmente de piano, que en ellos se interpretaba). Ha esto se añadían las “canciones vaqueras”, muy en boga en la época. Todo ello formaba un idioma musical complejo, conocido con la denominación de county and western swing, que habría de ser, juntamente con el clubes, la influencia principal sobre el joven y maravillado Elvis.

Es muy difícil explicarse el estilo musical que habría de popularizar Elvis Presley, que fui llamado primeramente rockabilly y que generó posteriormente el rock’n’roll impropiamente dicho sin tener en cuenta esta doble influencia, simultánea, y ya desde su más tierna infancia, de dos músicas tradicionales de los estados del Sur, la blanca y la negra. El mérito de Elvis consistió precisamente en conseguir hacer realidad esta síntesis mágica, en vencer la segregación cultural aunando dos músicas de orígenes técnica y socialmente muy diferentes, opuestas desde siempre por la tragedia de la esclavitud.

Memphis, Tennessee

La ciudad sureña de Memphis en el centro neurálgico de la música negra del Sur de los Estados Unidos. Si Nashville era el núcleo principal de la industria discográfica destinada a un público blanco, sobre todo a través de las grabaciones de música county, en Memphis se concentraban los músicos negros de blues que aspiraban a convertirse en algo en el mundo del espectáculo por los estudios de grabación de clubes más activo se encontraban en esta ciudad y la actividad de los músicos era rica, variada y muy intensa.
El padre del joven Elvis, desahuciado por emitir cheques sin fondos, se había trasladado, como muchos otros antes que el, a la gran capital del sur rural para buscar un empleo. Se encontraba en la capital desde hacía ya tiempo y pensó reunir a la familia, esperando que las cosas fueran mejor. Para su décimo tercer cumpleaños, el chico pidió a sus padres una bicicleta, pero era demasiado cara, así que su padre se gastó doce dólares y le compró una guitarra. Con el instrumento en los brazos descubrió, tan tempranamente, su verdadera vocación. Se ejercitaba escuchando las canciones por la radio y las aprendía, o bien pedía prestados discos a vecinos o amigos de sus cantantes preferidos, desde los bluesmen John Lee Hooker y Howlin'Wolf a cantantes como Ernest Tubb y Jimmi Rodgers.
Ello no dejaba de ser novedoso, puesto que, a pesar de que en la actualidad parece claro que las raíces del rock’n’roll eran una mezcla de ambas corrientes, en la época parecía una excentricidad.
La música negra tenía su público, y la blanca el suyo y los dos géneros no tenían, en la época ningún punto de contacto. Los negros consideraban el común country insípido y sentimentaloide, mientras que los blancos detestaban el blues al que juzgaban deprimente y pecaminoso.
En Memphis, los Presley vivieron en una habitación sin cocina y se las arreglaban con un hornillo.
El baño debían compartirlo con otras tres familias. Pero la suerte debía cambiar.
El Sr. Presley encontró un empleo cuarenta dólares la semana, en la United Paint Company, mientras que la madre de Elvis consiguió ser contratada como ayudante de enfermera en un hospital de la ciudad.
Ello permitió inscribir al muchacho en la Hume Higt School, centro en el que cumplía todos sus estudios secundarios. Pero Gladys, siempre pensando proteger al muchacho, la acompañaba la escuela, lo que en ninguna manera contribuía a favorecer su imagen entre sus compañeros.
Pero de repente, empezó a vestirse de forma extravagante, contraviniendo evidentemente los gustos de su madre al respecto. Combinaba chaquetas rosas con pantalones negros, y se dejó crecer el pelo en las patillas. Le gustaba cantar, y, aunque al principio sólo hacia delante de sus amigos, después empezó a actuar de los conciertos del colegio.
En esta época Elvis Presley era un adolescente solitario e introvertido, a pesar de que, según la leyenda, sus éxitos femeninos no le dejaban tiempo para el amor.
Sus intereses en la música se centraban en el boogie, y llevaba el pelo engominado y bastante largo para la época. Su piel oscura y sus cabellos morenos, su cara, con una muesca desdeñosa siempre en ristre, sus vestiduras excéntricas, inspiradas en la moda negra (camisas de colores vivos, corbata oscura, zapatos de colores) llamaba la atención forma más que despertar el respeto o admiración de su entorno, le convertían en un marginal.
Durante un tiempo estuvo trabajando como portero nocturno en el cine Loews State, pero fue despedido cuando lo encontraron fuera de su puesto, mirando la película que estaban proyectando. En 1953, una vez terminado sus estudios secundarios, el joven abandonó la Humes High School y encontró un empleo como dependiente en la en Precision Tool Company, y luego, conduciendo camiones para la Crown Electric, por 35,00 $ a la semana.
El tímido Presley tenía únicamente dos pasiones en su vida: la música y su madre. Su primer hito conocido en el mundo de la música habría de vincular sus dos pasiones en un mismo acto, conmovedor y revelador al mismo tiempo: su primera grabación sería un regalo para su madre y estaría dedicada a ella, ya desde la misma elección del título: That’s all right,Mama.
Ilusionado por un talento que fue el mismo comenzaba a intuir, Elvis intentó que le contratara Sam Philips los Estudios Sun, que albergaba a músicos blancos y negros y que tiene una importancia capital del despegue de todo movimiento rock’n’roll.

La primera grabación

Al parecer, Sam Philips andaba buscando, desde hacía más de un año, “un cantante blanco que cantara como un negro”. Tras enterarse de esta oportunidad única, Elvis Presley asistió a una prueba en los Estudios Sun, pero no se atrevió a creer en las intenciones de Philip y propuso, pues, canciones muy alejadas del modelo negro, versiones de los Ink Spots y de Bill Monroe, grandes figuras de la época de géneros típicamente county como el blue grass, del que Monroe era abanderado.
Pero hasta que no se decidió a interpretar una adaptación de un bluees de Arthur “Big Boy” Crudup, en That’s all right,Mama, no consiguió el contrato.
Éste había de ser su estilo.
El día 6 de juliol de 1954, se graba el histórico disco Sun número 209: en la cara A, That’s all right, Mama, de Crudup; en la cara B, un tema de bluegrass, Blue moon of Kentucky, de Bill Monroe, eso sí cantado con todo el empuje y la sabiduría negras de este “mestizo” del rock’n’roll.
En adelante, toda la carrera de Elvis Presley se caracterizaría por esta dualidad ya simbolizada en su primera grabación : dos músicas, la negra y la blanca, una frente a la otra cara y paradójicamente, la cara A del disco de un cantante blanco, es la cara negra, mientras que es la B la que presenta la canción de folklore blanco.
En este momento  tuvo una importancia crucial en la carrera del futuro rey del rock and roll otro personaje, también apellidado Philips, Dewey, que sin embargo, no tenía ningún parentesco con el patrón de la Sun Records. Dewei Philips era disque jockey en la emisora WHBQ de Memphis y, a pesar de ser blanco, era un apasionado de la música negra. Que se entusiasmó con el fisco de Presley y empezó a emitirlo de forma regular en su programa Red Hot’n’Blue. Corría el mes de julio de 1954, y Philips recibió tantas llamadas de entusiasmados oyentes que decidió localizar a Presley para poder entrevistarlo en  su programa, Elvis intentó evitar la entrevista, arguyendo que no sabría que decir. Philips le tranquilizó, y sólo le pidió que no dijera “nada sucio” mientras estuviera en antena.
Los oyentes que habían mostrado su fidelidad desde el primer día a la voz de Elvis se sorprendieron al saber que este era blanco a los pocos días, la Sun Records recibía un encargo de 5000 copias del famoso disco, cifra díez veces superior a la tirada normal de cualquiera de sus artistas.
El disco, que vendería un total de 20.000, representó un hito y rompió una tendencia, popularizada por Billi Haley, que proponía una música conformista para uso exclusivo de blancos, sin pulsión alguna de conflicto, sin ningún contacto con la realidad del sur, una tensión constante entre dos culturas completamente enfrentadas.
A partir de su sintomático primer disco, Elvis habría de desarrollar de forma continua este estilo, influenciado por unas maneras “negras” más pronunciadas.
Su presentación en escena era ya mucho más provocativa y menos convencional.
Sus vestidos (normalmente camisa negra y corbata blanca, un atentado al “buen gusto” imperante), su célebre juego de piernas, sus sensuales contoneos de caderas, sus jadeos ante el micrófono, shut up exagerado, sus chaquetas llenas de lentejuelas, similares a las de los artistas negros, habrían de atraer contra el todo el odio de los poderes establecidos.
En algunas ciudades se prohibieron sus conciertos, al tiempo que florecían mil y una asociaciones anti rock’n’roll, que no dudaron en calificar la música de Elvis como “una música de negros, animal y vulgar”. Otra asociación emitía un comunicado no menos duro: “ la obscenidad y vulgaridad de la música rock’n’roll son manifiestamente un medio de rebajar al hombre blanco y a sus hijos al nivel del negro. El rock’n’roll es parte integrante de un complot para socavar la moral de la juventud que nuestro país. Tiene carácter sexual, inmoral y es el mejor camino para fusionar ambas razas”. La brigada para el respeto de las buenas costumbres se decidió también a filmar un concierto a sus espaldas, para así poder acusarlo de obscenidad ante un tribunal de justicia.

La fórmula negra

Sin embargo, el ataque contra Elviss era demasiado brutal y directo, y al mismo tiempo, ingenuo. El modelo propuesto por Elvis era imparable, y la juventud norteamericana, que esperaba la llegada al mundo de la música de un Mesías de la rebelión adolescente parecido al que en el cine estaban ya representados por Marlon Brando o el recientemente fallecido James Dean, acogió al nuevo rey con los brazos abiertos y se puso de inmediato de parte de Elvis.
Además, es muchacho era muy simpático, y en las entrevistas por radio hacía reír con sus respuestas ocurrentes espontáneas a todo su público. Después de todo, quizás era inofensivo…
Evidentemente, el hecho de que sus discos se vendieran de modo asombroso contribuyó a esta prórroga que el sistema parecía otorgar a este discolo rebelde. Probablemente, se pensaba, acabaría volviendo al redil. Y de hecho, el sistema le engulló.
A lo largo de todo ese año de 1955, la fórmula iniciada con su primera grabación iba a funcionar de maravilla: una sutil mezcla de música negra y blanca, separadas a ambos lados del disco, pero unidas por la mágica estrella del King Elvis.
El segundo disco de Presley sequía pues, el mismo principio en la cara A aparecía un tema de Ray Brown, Good rockin’tonight, de indiscutible sabor negro; en la cara B, una balada (una de las primeras de quien ha sido calificado como el baladista más conmovedor de la historia de la música popular), de carácter más ligero, influenciada por el western swing. El siguiente disco de Elvis presentaba la misma estructura, y si Milkcow blues boogie, una versión del tema del bluesman tejano Sleepy John Estes, hacía pensar en un blues cantado por un cantante negro, You’r a heartbreaker, en la cara B era indiscutiblemente un tema blanco.
En poco tiempo después aparecería otro de los grandes éxitos de los inicios de la carrera de Elvis Presley, el sencillo, con Mistery train, una pieza animada por Junior Parker muy próxima al blues de Chicago, en la cara A, presentaba otra gran canción en la cara B, I forgot to remember to forget, que, siguiendo el modelo ya característico, era un homenaje a la estrella de la música contry Charlie Feathers, autor del tema. Mistery train, le convertiría en uno de los ídolos de la juventud negra que, a través de Ray Charles, Little Richard y Chuck Berry empezaba a aficionarse por la música del rock’n’roll. Los aficionados negros no escuchaban ni a Bill Halley ni a los cantantes blancos de Nashville. Elvis será distinto.
Grabada en Memphis, con un sonido Memphis auténtico; cantaba blues de una forma muy, muy negra y, a pesar de su raza blanca, su alma era inconfundiblemente negra; no había duda, bastaba con escuchar su voz.
La influencia negra la música de Elvis ha sido contestada mil y una veces a lo largo de toda su carrera. Muchos abanderados de la autenticidad de la música negra acusarían a Elvis de robarle la música a la gente de color. Otros a firmarían que la cuestión estaba fuera de discusión: Elvis tan sólo era un cantante blanco, que tal vez interpretaba temas de clubes, pero también éxitos del contry.
Sin embargo, el cantante negro de blues y soul Rufus Thomas respondería todos con una sentencia que haría historia “Elvis le dio una inyección más fuerte a la música negra que ningún artista negro”. Mientras tanto, el dios del soul más negro y orgulloso, James Brown, comparaba Elvis con Jesucristo.
Año 1955 había de consagrar, por tanto, el nacimiento de un género, el rockabilly, cuyo modelo y características estarían ya bien definidos en los discos grabados por Elvis Presley desde el principio gran éxito de la propuesta de Elvis movió a muchos jóvenes blancos del Sur, siempre atraídos por la música de los negros, a intentar esta síntesis entre su cultura musical de origen, el góspel blanco, el western swing, el hillbilly por un lado, y una influencia musical, muy mal vista en los círculos musicales blancos de los estados sureños tema pero de un potencial dramático y artístico impresionante, el blues, que, sin embargo, se veía aplastado por los convencionalismos racistas cada vez más acusados y violentos de la comunidad la desde su sello discográfico mestizo, el gran Sam Philips se ocuparía de dar la oportunidad a todos estos jóvenes que, siguiendo el modelo de Elvis, habría de dar un empuje definitivo la música de rock.

La aparición del Coronel

Desde el año 1956, Elvis Presley se convertiría en un fenómeno de la música popular de los Estados del Sur, y su fama empezaba a extenderse por el resto de la unión. En este momento la modesta compañía discográfica que había propiciado su espectacular despegue, la Sun Records, que no podía permitirse pagar grandes adelantos, le empezaba a parecer demasiado pequeña. Cuando el trabajo empezó a hacerse más complejo y delicado, el papel de mánager se confío a Bob Neal, un disc jockey de Memphis. Pero Elvis se estaba volviendo una empresa demasiado difícil de gestionar.
Thomas Andrew Parker, apodado "Coronel Parker"
Además, la creciente fama del Rey no se había visto acompañada por un incremento de las infraestructuras de producción de la compañía de Memphis. Lejos de preocuparse ante la previsible marcha del número uno del catálogo, Philips se centraría en la promoción de los jóvenes valores que habían crecido tras la estela de Elvis, y que según el boss, podían perfectamente colmar el espacio vacío que dejaría aquel tras su partida.
Como era de suponer, estas optimistas perspectivas no se verían acompañadas por la realidad. Así, ni Jonhnny Cash, ni Carl Perkins, ni Roy Orbison estarían a la altura, y, aunque sus discos no se venderían mal, las cifras de estos músicos no alcanzarían en absoluto las de Presley.
El paso a una gran compañía estaba cantado. Pero Elvis necesitaba de alguien que pudiera llevarle sus asuntos, un mánager astuto que supera defender sus intereses. Y en ese momento apareció Tom Parker, un oscuro personaje que supo explotar los talentos del rey del rock and roll y le llevó al inalcanzable pedestal en el que permanecería Elvis durante todos los años se sesenta y una parte de la década posterior.
Thomas Andrew Parker, apodado "Coronel Parker" organizó la carrera de Elvis con precisión.
Le consiguió prestigiosas actuaciones y convenció a sus padres de que él era el único capaz de convertir a Elvis en una super estrella; el nuevo empresario de Elvis llevó las negociaciones para la firma del cantante con la gran compañía RCA, y a partir de ahí, el fenómeno Elvis obtuvo ya sin discusión envergadura nacional.
El contrato le proporcionó a Sun Philips una cifra astronómica para la época, cuarenta mil dólares mientras que el propio cantante ganaría 5000 con la operación.
Pero Parker no se limitó a gestionar el enorme patrimonio que el genio de Elvis proporcionaba. El Coronel maleó a voluntad la imagen del ídolo, y, a sabiendas de las reticencias del sistema, introdujo un nuevo look, tanto exterior como interiormente, más acorde a los dictados de la poderosa industria del espectáculo.
 Los shows televisivos y sus discos del primer periodo en RCA (1956-1960) presentaban al músico ligeramente más calmado. Su estilo cambio desde el rockabilly más rebelde hacia un género mucho más comercial, el rock and roll. 
Los hits de de esta época siguen jugando con el equívoco entre las dos tendencias y apuntadas en el inicio de su carrera.
Las primeras grabaciones para RCA empezaron en Nashville, cuna del country, el 10 de enero de 1956, y los títulos elegidos fueron I got a woman, versión de un gran tema de Ray Charles y Heartbreak hotel, otro de los demás característicos de los primeros discos de Presley.
Luego vendrían I'm counting on you y I was the one. Las revistas musicales más importantes de los Estados Unidos nombraron a Presley "el nuevo talento del año" county& western.

Presley manía

Su primera aparición En televisión se producía muy poco tiempo después, el 28 de enero de 1956. Tras verle cantar temas como Blue suede shones, el mítico título de Carl Perkins o Heartbreak hotel, las líneas telefónicas de la cadena de televisión CBS se vieron saturadas por cientos de llamadas. Presley había hecho furor por su forma de cantar y de moverse, presentan un estilo que había de ser un escándalo en la puritana América de la época.
Presley era ya un mito antes de grabar su primer álbum.
Este se publicaría en abr de 1956, con el simple título de Elvis Presley.
Incluía canciones grabadas en los Estudios Sun y que no habían sido publicadas, al lado de material más reciente, grabado después de su fichaje por RCA. En el primer mes se vendieron 360.000 copias del disco, un hito en la historia de RCA y aproximadamente el triple de lo que vendía las estrellas de la época.
Portada de revista de la época
La preyslemanía había explotado definitivamente, y a los ojos de los padres americanos constituía un verdadero peligro para la inocencia de las generaciones más jóvenes, que veían en el Rey un símbolo de la rebelión que traspasaba el aspecto musical. Sus influencias blues parecía totalmente fuera de lugar, insultantes y la propia portada del disco era completamente rompedora: Elvis asía su guitarra como sido un arma se tratara, y tenía la cara contraída en una mueca crispada, en vez de estar relajado y sonriente como solían hacerlo los cantantes "formales".
En 1957 Elvis ya era millonario. A principios de año había adquirido Graceland, en Memphis, la gran propiedad que sería su casa para siempre. Era un edificio de dos pisos, rodeado por trece acres de jardín y muy protegido. En ese momento se había convertido en un sinónimo de éxito, y los programas de televisión se peleaban por obtener su concurso.
El célebre presentador Ed Sullivan le ofreció la elevada cifra de 50.000 dólares para que participara en tres momentos de su espectáculo de los domingos por la tarde. El el show tuvo éxito rotundo, a pesar de la censura de los responsables de la cadena de televisión, que obligaron a los cámaras a enfocar a la estrella siempre de cintura para arriba, a fin de evitar la imagen en pantalla de sus obscenos movimientos de pelvis, precisamente los que le otorgarían el sobrenombre de " Elvis the Pelvis".

La aventura del cine

Pero ante todo ello, Elvis había tenido un encuentro que habría de marcar su trayectoria posterior. En hábil de 19056, a raíz de unas actuaciones en Las Vegas (que, por cierto, se saldaron con un sonoro fracaso, al actuar preysle y ante un público de mediana edad que estaba cenando), conoció al productor de cine Hal Wallis, que le propuso trabajar en Hollywood . Con la firma de este contrato se iniciaría lo que se ha dado en llamar la "industria Elvis Presley", que explotaba la imagen del cantante para detener toda clase de objetos desde pósters y fotografías hasta tejanos, chaquetas, y botas, pasando por gafas, lápices de labios, pegatinas y animales de peluche.
Elvis con Ann Margret
La primera película del R fue Love me tender, título extraído de uno de sus éxitos, una formidable pieza lenta en la que Elvis lucía otro de sus talentos, el de baladista de excepción. El filme se estrenaría en noviembre de 1956, y a partir de ahí, Presley se vio monopolizado por el cine, que hacía poco había perdido a James Dean. Evidentemente, los productores pensaron de inmediato en el bis para sustituir a ese símbolo de la juventud prematuramente desaparecido, aprovechando el magnetismo irresistible del cantante.
En sus primeros filmes de 1957 y 1958, Elvis siguió cultivando la actitud típica del rock and roll, eliminada ya la influencia negra: la "crisis adolescente", a la que añadía la ropa provocativa, el estilo que marcaría toda una generación.
Al mismo tiempo Elvis se había convertido en una institución administrada por el " coronel". Poco a poco, el que fuera rebelde de 1954 se hundía en el conformismo del establishment rock.
A love me tender, que sería despreciada por la crítica, pero no así por el público, le seguiría una película casi autobiográfica, cuyo título que provenía también de otra gran balada de Elvis, Loving you.
La fórmula de este filme funcionó de tal manera ante el público que en 1958 se repetiría en Jaihouse el rock, en la que Elvis interpretaba el papel de un ex presidiario que, tras haber cumplido una condena injusta, encontraba el camino del éxito como cantante del rock and roll.
( music-video de Jailhouse Rock)
Con 32 películas rodadas entre 1957 y 1972, Elvis ostenta una especie de record para el rock. Pero por desgracia, sólo algunas producciones, entre 1957 y 1961, merecen la pena; entre éstas destacan las citadas Love me tender, dirigida por Robert Webb en 1957, Loving you, de Hal Kanter, (escucha el tema Loving you )así como Gl blues de Norman Taurog (aquí el tema Gl blues), ambas de 1960, y, sobre todo, Jailhouse rock de Richard Thorpe, y King Creole de Michael Curtiz (aquí el tema King Creole), ambas rodadas en 1958.
 El resto de su producción fue completamente comercial, sin ninguna aspiración artística ni interés por establecer las bases de un nuevo cine musical.
King Creole sería la última película de Elvis Presley antes de una pausa para cumplir con sus deberes patrióticos.
Servicio militar en Alemania
En 1958 Elvis partía hacia Texas para cumplir su servicio militar.
Fue ahí donde le anunciarían una terrible e inquietante noticia: su madre, Gladys, había sido ingresada de urgencia en el hospital, y se le diagnostica va una hepatitis aguda.
La Sra. Presley pudo ser trasladada a Memphis, pero sus condiciones empeoraron con rapidez, y, cuando se decidieron avisar a su adorado hijo, ya era demasiado tarde.
Gladys Presley moría el trece de agostó de 1958 a causa de una infección cuya naturaleza no logró ser averiguar da por los médicos que la cuidaron.
Obviamente, la muerte de su madre había de representar un durísimo golpe para Elvis, que de todas formas volvió a su destino como soldado. Al final de las prácticas en el campamento tejano, fue enviado a una base americana en Alemania, donde a pesar de recibir un trato similar al de sus compañeros, posee ya una vivienda propia y ciertos pequeños privilegios que le ayudaron a hacer más llevadero el forzado "exilio".
Los discos del Rey, grabados antes de su partida, siguieron saliendo y vendiéndose durante este periodo; en marzo de 1959, se publicaba A fool such as I, en junio, A big hunk o'love y en setiembre el álbum A date with Elvis, grabaciones que contribuirían a mantener vivo el mito hasta el regreso de la estrella.

Después de su servicio militar, Elvis regresó, en 1960, con un aura de responsabilidad inédita.
El coronel Parker se encargaría de operar el milagro. El antiguo rebelde regresaba a casa como modelo de patriota, como símbolo para toda la juventud, renegando definitivamente de su imagen de adolescente rebelde que movía lasciva mente las caderas al ritmo de blues. Al llegar grabaría un show televisivo en Miami nada más y nada menos que junto a Frank Sinatra, un símbolo como pocos del establishment, muy adecuado, pues para apadrinar le en este triunfal regreso a la patria. Elvis recibió por welcome Home Elvis la cifra de 125.000$, ¡por tan sólo seis minutos de trabajo!.
A continuación grabaría el álbum Elvis is back! que, no obstante, representaría únicamente un paréntesis en su trabajo de actor, pues, casi de inmediato o se puso a las órdenes de un nuevo director para rodar C. I Bluees, un filme que explotaba la imagen de soldado del cantante.

En 1960 su padre se casó con Dee Elliott, sin la aprobación de Elvis, que ni siquiera acudiría a la ceremonia.Poco tiempo después se publicaba el segundo sencillo desde el regreso, It's now or never , una lamentable adaptación de la canción napolitana O Sole mio, que vendería más de veinte millones de copias.
Luego llegó el turno de otra de las baladas de oro de Elvis, are you lonesome tonigh, y antes de fin de año, el rey grababa el álbum de gospel His hand in mine, que permaneció en las listas de éxitos durante buena parte de 1961.
Pero la actividad principal de Elvis en estos momentos seguía siendo el cine. 
Flaming Star, su siguiente película, estuvo lista a finales de 1960, y tras ella llegada Wild the country, ya en 1961. Pero estas dos películas representaron un bajón considerable en la aceptación del Elvis actor y no tuvieron un gran éxito.
La figura Elvis funcionaba, pero no así sus películas.
Los productores se dieron cuenta enseguida que Elvis no gustaba al público cuando interpretaba papeles dramáticos. La intuición fue certera, y a partir de ese momento le encasillaron en un papel simple y frívolo, que le permitiera poder cantar bastantes canciones; el primer ejemplo basado en el modelo se convertiría en el mayor éxito cinematográfico de Elvis Presley.
Blue Hawaii daba una pista de lo complicado de la trama argumental, combinaba los elementos que marcarían el cine posterior del cantante, muchas chicas, canciones ligeras y amables, y una historia de amor simple y sin complicaciones.
En este mismo año de 1961 Elvis decidiría retirarse de la escena musical. Después de ofrecer dos conciertos de beneficiencia en el Ellis auditorium de Memphis y en Honolulu, Hawai, se propuso no volver a pisar un escenario y dedicarse enteramente al cine.
Esta época estuvo marcada por un aislamiento roto únicamente por sus apariciones en las películas y por la aparición de algunos discos, que normalmente eran bandas sonoras extraídas de sus filmes.
Con Barbara Eden en el film Flaming Star
En 1962 llegaron tres nuevas películas Follow tath dream, Kid Galahad y Girls¡Girls¡Girls!. Esta última, que también se rodó, como Blues Hawai, en la isla del pacífico, acabo de dar una popularidad tan enorme a Elvis entre los habitantes de este estado que éste se convertiría en una especie de héroe, a mente su mejor propagandista.

En 1963 se estrenaron It happened at the eorld's fair y Fun in Acapulco, esta última al lado de Ursula Andress. Pero estaba a punto de llegar el año 1964 y un amenaza se asomaba al reino de Elvis. Ese fue el año del desembarco de los Beatles en Estados Unidos, y el público americano respondió de un modo tan entusiasta al sonido del grupo británico que dejó de estar atención a toda la música americana del momento.
Elvis era una institución y pudo soportar el golpe, pero, aun así, su popularidad se resintió. Además, su estancamiento cinematográfico y musical le tenía, en aquellos momentos, totalmente atenazado, sin capacidad de reacción, por lo que sin poder valorar lo que el descenso de su fama representaba se dedicó a seguir filmando películas frívolas e inconscientes, como Kissin'cousins, y a grabar canciones que no resistían la comparación con el tremendo empuje que los iv muchachos de Liverpool imprimían a su arte.
Así, mientras los de Beatles publicaban She loves you, Elvis lo hacía con One broken heart for sale, una olvidable cancioncilla que no resistió el enfrentamiento en las listas de éxitos con el hit del grupo inglés.

A la vista del descenso de popularidad de la máxima estrella de la compañía, la Metro Goldwyn Mayer se propuso realizar un lanzamiento de lujo. Para ello se eligió a una estarlette sensual y provocativa que parecía ideal para el carisma y la imagen de Elvis.
El romance del cantante-actor con Ann Margret dio mucho que hablar a lo largo de todo el rodaje de Viva las Vegas. Y si la película funcionó bien, no sucedería lo mismo con la verdadera o presunta relación entre los dos protagonistas. Al parecer la única intención al respecto de la actriz era atraer a todas las revistas y, tras haber logrado su objetivo dijo a Elvis plantado y desilusionado.
Hacía ya tiempo que se “decidían” idilios de Elvis con todas las estrellas con las que protagonizaba sus películas. Si primero fue Tuesday Weld y luego Ursula Andress, parecía que con Ann Margret el asunto iba más lejos. Sin embargo después de finalizado el rodaje el rey volvió sólo a Graceland.
Tras este filme se produciría una verdadera debacle artística Elvis rodaba tres películas al año y grababa algún que otro sencillo de escaso atractivo, que no lograron frenar la caída del ídolo, perjudicado por la enorme popularidad que las bandas inglesas y sobre todo los citados Beatles estaban cosechando en los Estados Unidos.
Pero si en el plano musical Elvis parecía más que enterrado, en el cinematográfico su presencia en los filmes insignificantes en que participaba seguía vendiendo. En 1965 le propusieron un millón de dólares por película, mas del 50% de la recaudación, para rodar Girl happy u Harum Scarum, y el Rey aceptó. Luego regresó a su querida Hawaii para rodar Paradise-Hawaiian style, que era su película numero veinte.
En esta época volvería a aparecer en la vida de Elvis Presley una muchacha llamada Priscilla Beaulieu. Hija de un oficial de aviación, había sido presentada al cantante durante su estancia en Alemania. Priscilla se trasladó en seguida a Graceland, ocupando una la de la gran mansión, y se puso estudiar danza y declamación. Elvis, enamorado de su chica, pero también de su mansión, planteaba mil y unas reformas: “…estoy orgulloso de mi Graceland, nunca me marcharéde aquí. Siempre estoy haciendo reparaciones por la casa, y he tenido la maravillosa idea de poner el techo de mi dormitorio todo de terciopelo. Me gustan los colores brillantes, como el naranja, el rojo y el amarillo”.
Sin embargo y a pesar de los planes optimistas, tras una grave discusión con Elvis, Priscille ya le abandona y regresaba con sus padres a San Francisco.
Este periodo coincidió con los primeros problemas físicos del cantante. De carácter depresivo, le era tremendamente fácil adquirir unos kilos de más. Durante estas crisis depresivas podía llegar a encerrarse y no querer ver a nadie durante días.
Irritable, si empezaba a plantear el regreso a la música.
Queriendo rescatar a sus acompañantes de los años cincuenta, Scotty Moore y Bill Black, se acabaría enterando de la reciente muerte de éste último, con lo que el proyecto quedaba otra vez en nada.
Pero Elvis siguió insistiendo en una vuelta a la música. 
A pesar de su popularidad, no había encajado en el ambiente hollywoodiense y soportaba con más irritación que paciencia la envidia que despertaba en un medio como el del cine. Además, a partir de 1966 sus películas dejaron de ser taquilleras. En este momento volvió a aparecer Priscilla en escena y ambos empezaron a hablar de proyectos de matrimonio.

El rey se casa

El día 1 de mayo de 1967 Elvis contrajo matrimonio con Priscilla en la máxima intimidad, con sólo cien parientes y amigos que fueron invitados a Las Vegas sin saber a que acudían.

Una vez en el hotel se les informó lo que sucedía y se les instó a no abandonar el recinto hasta la hora de la ceremonia.
Tras la boda, la pareja no se fue de viaje de luna de miel. Por el contrario, Elvis se dirigió inmediatamente a Hollywood para rodar su película número 25 titulada Clambake, mientras que el 8 de junio se iniciaba el rodaje de la siguiente, Speedway.
Boda  con Priscilla Beaulieu
Tres meses después de la boda, Elvis anunciaba que Priscilla ya estaba embarazada; en octubre voló a Arizona para empezar el rodaje de Stay Away, Joe. (Aquí tienes una secuencia)
El 1 de febrero de 1968 nacía Lise Marie, a los nueve meses exactos del matrimonio de Elvis y Priscilla. Al parecer, en la centralita de la clínica se recibieron más de díez mil llamadas de aficionados que querían informarse o bien felicitar a la feliz pareja. Pero esta fue la última muestra de simpatía por parte de unos aficionados que le estaban olvidando lentamente.
Y llegó el show de la NBC. Cuando se anunció que el Rey iba a rodar un espectáculo televisivo, enteramente musical, quedó claro que Elvis no había arrojado la toalla. El show titulado The ’68 comrback(parte I) y (II parte) (el regreso de 1968) se convertiría en el punto crucial de la carrera de Elvis Presley.
Según los planes del coronel Parker el show debía mostrar al público la figura del Presley padre de familia.
La grabación del programa tendría lugar en una semana;  el extraordinario show, emitido por la NBC el 13 de marzo de 1968, presentaba a un Elvis vestido de cuero negro, en un ambiente familiar y nostálgico, en el que se recreaba la música y la atmósfera de los años de sus grandes éxitos.
Mucho más sincero que en sus fantasmagóricas apariciones cinematográficas, el rey se jugó a una sola carta su carrera, apostando claramente por la música.
Su espectáculo fue un éxito enorme, y en todo el país los discos de rock’n’roll empezaron a competir de nuevo con la música pop. Era el regreso de Elvis, quien años antes se había retirado de la carretera. Más motivado que nunca, Elvis volvió a los estudios de grabación, registrando entre enero y febrero de 1969, una treintena de piezas que figuran entre las mejores de toda su carrera.
 Las grabaciones tuvieron lugar en Memphis en donde Elvis no había vuelto a grabar desde los tiempos de sun records.
Su relanzamiento como cantante preveía su retorno a las giras, así como su abandono del cine. También económicamente su decisión representó o un buen negocio; cobrando a cien mil dólares cada concierto. Elvis ganaba mucho más que con el cine, donde necesitaba quince semanas de trabajo para conseguir un millón de dólares. Tras sus primeras actuaciones en Las Vegas en donde Elvis se presentó o en extraordinaria forma, el cantante programó una serie de giras que, de 1970 en adelante, le tuvieron ocupado durante seis meses al año. Las cifras de venta de sus dos nuevos sencillos Suspicious mind y Don’ cry dady se elevaron a más de un millón de copias para cada uno.
Pero el matrimonio de Presley estaba en crisis. Sus largas estancias en Las Vegas, ciudad llena de tentaciones para un ídolo como Elvis, pondrían en guardia a Priscilla, sabedora del ejército de chicas dispuestas a todo con tal de ser invitadas a las fiestas de Elvis o, por supuesto, a compartir su cama. En mayo, Presley firmaba un contrato con la Metro Goldwin Mayer por tres películas más, y en el julio empezaba en Los Angeles los ensayos para los conciertos programados para agosto en Las Vegas.
La primera de estas películas,That’s the way it is, era un reportaje de sus conciertos.
Parecía que Elvis quería recuperar el tiempo perdido y su actividad en todos los ámbitos era frenética. En Memphis se le otorgaba el reconocimiento que se concedía a los ciudadanos más importantes al cambiar el nombre de la Highway 51, la calle en la que se encontraba Graceland, por el de Elvis Presley Boulevar.
En 1972, tras la publicación de American trilogy y Burning love, se anunciaron cuatro conciertos en el Madison Square Garden de Nueva York, ciudad en la que Elvis nunca había actuado hasta entonces. Asistieron a los conciertos unos 80000 espectadores, una cifra más o menos igual a la de los que no pudieron asistir por falta de entradas. El concierto del 10 de junio se grabó y público en un álbum que lleva por título Elvis as recorded at Madison square garden.( Escucha el concierto completo) Un mes más tarde su matrimonio con Priscilla tocaba su fin, tras cuatro años de vida en común.

El rey ha muerto

En enero de 1973, Elvis protagonizaba Aloha from Hawwaii, el primer show televisivo trasmitido por satélite al mundo entero: se estima que mil millones de espectadores le vieron ese día; en febrero,RCA distribuía un millón de copias del doble álbum que recogía la actuación. La recaudación del conciertos edonde o íntegramente el estudio del cáncer, actitud que Elvis había prodigado desde siempre, puesto que una parte de sus ingresos se destinaba a beneficencia.
Pero precisamente en el momento de mayor popularidad Presley atravesaba una aguda crisis personal, consecuencia, entre otras cosas, de su reciente divorcio.
Amargado, solo, deprimido, Presley volvió a engordar ya consumir medicamentos contra una serie de problemas físicos, no siempre reales, que lo afligían.
Entre 1973 y 1974 el cantante fue internado cinco veces en un hospital en el trascurso de pocos meses. Una cura de estómago, iniciada en 1975, le provocó retenciones de líquidos y un espectacular aumento de peso: a pesar de las dietas, Elvis comentó  casi treinta kilos en menos de un año.
 Con cuarenta años recién cumplidos, Elvis intentaba volver a estar en buena forma física para poder acudir a los espectáculos de Las Vegas programados para agosto, pero pero los médicos le aconsejaron reposo absoluto al menos hasta fin de año.
 En 1976 Elvis celebró algo menos de cien conciertos, su cifra más baja desde 1970.
Al empezar el año 1977 Elvis proyectaba una gira que debía llevarlo por primera vez mas Alla de las fronteras de Estados Unidos. Paradójicamente, y por primera vez en mucho tiempo, parecía tener ganas de actuar, y justo en el último día de su vida si había entretenido ideando nuevos cambios para los shows. La muerte le sorprendió en el baño de su casa. Después se supo que los últimos siete meses se habían recitado a Elvis Presley más de 5.000 calmantes y estimulantes. Elvis era una nueva víctima del rock’n’roll.

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