Villancicos

  1. Mi burrito sabanero
  2.  Noche de paz
  3.  Campanas de Belen
  4. Gran Navidad
  5. Ven a casa esta Navidad
  6. Blanca Navidad
  7. Bo nadal
  8. fum fum fum
  9. El Tamborilero
  10. Los peces en el rio
  11. Adeste fideles
  12. Los campanilleros
  13. Cascabel
  14. Chiquirritin
  15. Hacia Belen va una burra
  16. Una pandereta suena
  17. Arre borriquito 
  18. Dulce Jesus mio
  19. Feliz Navidad
  20. Desde el alto cielo
  21. Ha nacido el niño
  22. Din, don, din
  23. Anton tiruliru
  24. Rodolfo el reno
  25. A Belen pastores
  26. La Virgen va caminando
  27. En el portal de Belen
  28. Hoy es nochebuena
  29. Zagalillos
  30. Los reyes Magos




Monasterio de San Benet de Bages

El monasterio de San Benet de Bages es un monasterio benedictino situado en el término municipal de San Fructuoso de Bages en la comarca catalana del Bages, provincia de Barcelona.
El monasterio se construyó en el siglo X y fue historiografiado y restaurado a principios del siglo XX por el arquitecto Josep Puig i Cadafalch.


La antigua abadía benedictina de Sant Benet de Bages fue fundada hacia el año 960, a iniciativa de los esposos Sal·la y Ricarda, que la dotaron económicamente. El mismo fundador obtuvo en un viaje a Roma la tutela papal, a la vez que trajo las reliquias de san Valentín, ya venerado en la zona. El primer abad fue Abbó, documentado desde el 967.

La iglesia fue consagrada el 972 con la asistencia del obispos de Vic, Urgell y Barcelona, además de miembros de la familia de los fundadores, que entonces ya habían fallecido. En esta ocasión se vuelve a mencionar su dependencia de Roma.


En el año 999 el establecimiento sufrió el ataque de las tropas de Almanzor. Después de unos años sin abad, el 1002 se eligió a Ramió 1002-1032, escogido por los monjes y sin la intervención de la familia de los fundadores que hasta ese momento habían determinado que los dirigentes de la comunidad tenían que ser familiares suyos. En 1016 una bula del papa Benito VIII puso el monasterio bajo su jurisdicción directa.



El 1075, a la muerte del abad Miró, hermano de Ramon Berenguer I, la situación cambia y Sant Benet fue unido al monasterio de Sant Ponç de Tomeres (Erau, Languedoc-Rosselló). A finales del siglo XII se recobró la independencia, el abad Benet (1108-1152) fue escogido entre los miembros de la comunidad. En esta época (el 1114) el establecimiento sufre una nueva incursión islámica, los efectos de la cual serían muy graves y se vieron obligados a construir de nuevo la iglesia (la actual, acabada hacia el 1212). A continuación fue iniciada la construcción del claustro aprovechando elementos del anterior.

En el año 1348, durante la Peste Negra, la comunidad desapareció casi completamente. A mediados de del siglo XVI, las dependencias monásticas se encontraban muy deterioradas. El 1593 perdió su independencia y fue unido a Santa Maria de Montserrat, según una bula papal de Clemente VIII. Según ésta, Montserrat dejaba Sant Pau del Camp y obtenía la dirección de Sant Benet, más provechosa. Esta unión hizo que, como Montserrat, pasase a formar parte de la Congregación de Valladolid. Sant Benet albergó un colegio de las Artes y un centro de acogida de los monjes de edad avanzada.


La iglesia y claustro primitivos se tuvieron que rehacer a raíz del ataque sarraceno de 1114. Son las partes más antiguas. A levante del claustro tendría que situarse la sala capitular, ahora prácticamente desaparecida. Posteriormente se añadió un segundo piso a aquel claustro. En el siglo XIV se construyó una nueva estructura gótica utilizada como bodega. A poniente se levanta el palacio abacial, del siglo XVII.


La iglesia es de nave única, con crucero y tres ábsides. Conserva la cripta. Al oeste se abre un portal de medio punto, con arquivoltas sin decorar y tres capiteles en cada lado. Tiene una segunda puerta más sencilla que comunica con el claustro. Ante la iglesia se conservan los restos de lo que sería el panteón de los fundadores.




El claustro está decorado con capiteles con motivos ornamentales entre los que predominan los de temas vegetales. También aparecen representadas figuras de animales y solamente tres presentan figuras con detalles de la vida de Jesús.



El claustro tiene cuatro galerías con columnas dobles, un total de sesenta y cuatro, con sus capiteles de una gran riqueza escultórica. Habría sido levantado entre los siglos XII y XIII y reúne algunas piezas reaprovechadas, como por ejemplo un capitel de la galería de levante, con bajorrelieves, tal vez del siglo X. Otro de los capiteles menciona el nombre de uno de los artífices de la obra: un tal Bernat. Se conserva un ventanal de la sala capitular antigua. En el mismo claustro hay diversas tumbas de época gótica.
El monasterio tuvo actividad hasta el año 1835. Las propiedades serían subastadas y los edificios se utilizaron como viviendas por los trabajadores de una industria textil.
El año 1835 fue vendido a particulares. En 1908 lo compró la madre del pintor catalán Ramón Casas, que lo empezó a restaurar bajo la dirección de Josep Puig y Cadafalch. Esta restauración hizo desaparecer edificios y estancias de la parte este del claustro, debido a su estado de total ruina, entre los los cuales la antigua sala capitular.

















Después de la restauración realizada por la obra social de Caixa Manresa, el monasterio se ha convertido en un espacio museístico, que permite realizar un recorrido histórico y emocional por sus espacios más representativos, y que da a conocer en conjunto la evolución social de Cataluña a lo largo de mil años de historia. Se realizan dos itinerarios diferentes, que permiten descubrir la huella que la historia ha dejado a lo largo de 1000 años, desde la alta edad media hasta el modernismo. La visita Mil años de historia de un Monasterio permite hacer un recorrido vivencial por los espacios monumentales, en los que el visitante experimenta sensaciones, estímulos y emociones que lo trasladarán totalmente en el tiempo. La visita Un día en la vida de Ramón Casas es un itinerario que transporta los visitantes al verano de 1924, atravesando las estancias del sobreclaustro que el pintor Ramón Casas y su familia convirtieron en residencia de veraneo. Para más información sobre estas visitas y el resto de actividades que se realizan en el monasterio, podéis acceder a la página web de Món St Benet.





Acompaña la vivita con Música Gregoriana 


Fuente de informacion:
 Monasterios de Cataluña
Fotos: Anna Jorba Ricart

Vladimir Horowitz

466/64
Que en paz descanse Nelson Mandela .


Vladimir Horowitz

Chopin: Sonata no2
- Rachmaninoff: Etudes Tableaux
- Schumann: Davidbündlertanz
- Liszt: Hungarian Rhapsody
- Schumann: Kinderszenen
- Schumann: Toccata op.7
- Scarlatti: Sonata 430, 483 & 209
- Schubert: Impromptu op.90
- Scriabin; Poème op.32, Etudes op.2 & 8

Vladimir Horowitz
Piano Sonata No. 8 in C Minor,
Op. 13 "Pathétique": I. Grave -
Allegro Di molto e con Brio

script

Eva Ricart Vilafranca. Arte contemporáneo.

Continuando con la saga familiar de artistas os quiero hablar de Eva Ricart Vilafranca, sobrina nieta también del ilustre Enric C Ricart, al que en su día dediqué unas páginas. Es prima mía.

Nacida el 18 de abril de 1949, circunstancialmente en Zaragoza en el seno de una familia de la burguesía catalana. Su primer cuadro lo pintó unas navidades a los 12 años, según ella dice:  "era un día ventoso y llegué a su casa con la ilusión de enseñárselo a mi padre, quien al verlo consideró que no era gran cosa, quedó relegado al cuarto de plancha detrás de una puerta y al poco tiempo desapareció, probablemente a la basura". Secuencia que le dejó mal recuerdo.

Estudío con Pilar Leita de quien aprendió más que a pintar a entender la composición de los colores.
Tema importante en los entresijos de la pintura: " cuando el ojo humano percibe un color, los colores que realmente están actuando son los que le hacen falta a este que vemos para convertirse en luz (blanco). Así por ejemplo cuando vemos el color rojo, en realidad los colores luz que actúan son Verde y Azul ; esto nos enseña que el efecto que producen los colores luz es opuesto a la realidad" 



Lo que para muchos puede parecernos un verdadero lío, es la base de la enseñanza de la que fue maestra de Eva y la persona que le infundió seguridad para su dedicación a la pintura.

Nunca ha dejado de pintar, en los primeros años de forma intermitente, su primera exposición colectiva fue en el año 1969, pero es a partir de cumplir los cincuenta años que lo hace asiduamente a razón de 2-3 exposiciones anuales.  Refiere que esta actividad junto con la lectura, le absorbe la mente y la evade.  Dice:  "es como una terapia que me evita ir al psiquiatra."

 A mi me entusiasma que se pueda proyectar en un lienzo la estética de las impresiones de la vida real.  Ella, en una visita a Bilbao, al igual que yo, quedó entusiasmada con la visión del Gugguenheim y lo ha plasmado en sus últimas obras. Tengo un cuadro de Eva, especial para mi.
Se ve la escultura gigante de la araña Mamán de Louise Bourgeois.

Representa una de las arañas llamadas mamán, esculturas de la artista francesa Louise Bourgeois. Una araña de diez metros de altura de larguísimas patas, de bronce, acero y mármol. La de Bilbao  es una de las reproducciones existentes, de un total de siete posibles, que están en Samsung Museum of Art,  en Seul,  en Corea, en  MoriArtCenter, en Tokio, en Japón y en la National Gallery of Canada de Ottawa.
Esta una obra, de 1999, inspirada en la figura materna con connotaciones oníricas:   "una madre amenazadora y voraz para intimidar a quien quisiera atacar a sus hijos.....una madre continuamente tejiendo, como las arañas,.....una madre vigilante, protectora, cuidadora y dominante."


La próxima exposición de Eva Ricart Vilafranca será el 28  de Noviembre de 2013 
 en la Galeria d'Art Peragón en Cerdanyola.







Si alguien quiere ponerse en contacto:
 eva.ricart.v@gmail.com



Escuchar jazz con Ricard Gili. V sesión. La improvisación

El genoma del jazz III 

La improvisación en el jazz se desarrolla en todos los miembros de un grupo de una u otra forma casi todo el tiempo que dura la interpretación, respetando la armonía del tema.
La improvisación es una de las características definitorias del jazz.
Los músicos parten de unos esquemas previos y de sus conocimientos y habilidades adquiridas a través de sus años de estudios para ejecutar solos improvisados sobre la estructura armónica de los temas.
Un solo es, por definición, una pieza musical ejecutada por un instrumentista con o sin acompañamiento, y en algunas obras didácticas se dice que la habilidad para ejecutar un buen solo se asemeja a la habilidad para contar una historia, donde no importa sólo "lo que se dice", sino también "cómo" se dice.
Para crear un solo, los músicos necesitan conocer algunos elementos básicos, como la estructura de acordes del tema sobre el que están ejecutando el solo, la función que cada acorde juega dentro de la estructura armónica del tema o las escalas que se derivan de cada uno de los acordes que componen el tema, y luego deben integrar todos esos elementos con la melodía, que servirá en muchos casos como "guía" para el solista. Además deben disponer de los conocimientos y la experiencia necesarios para poder interpretar toda esa información, lo que en la práctica significa conocer a fondo el lenguaje del jazz.
En anteriores entradas se ha visto que la técnica instrumental quiere imitar al sonido de la voz. El ritmo es el Swing y en la melodía se incluye la improvisación.

 La estructura  de una composición de blues clásico  suele estar compuesta normalmente por tres acordes distintos, los cuales son tocados a través de un esquema de doce compases En un ritmo de 4X4 o raramente de 2/4.
Ejemplos de 12 compases:

Si seguimos el desarrollo de la canción *** Blues a Plenty con Johnn Hodges
 Encontramos 5 chorus o estrofas:
1) Tema de grupo
2) Solo de saxo tenor
3) Solo de trompeta
4) Solo de saxo alto
5) Tema de grupo

Si seguimos el desarrollo de la canción *** Tommy's Blues con Sidney Bechet 
Encontramos 6 chorus o estrofas
Introducción de piano
1) Tema de grupo
2) Solo de piano
3) Solo de clarinete
4 y 5) Solo de saxo soprano
6) Improvisación a duo.

Ejemplo de 16 compases sin puente con cola

Si seguimos el desarrollo de la cancion *** Lazi River con Sidney Bechet
Encontramos 6 chorus o estrofas:
Introducción de guitarra
1) Tema de grupo
2) Solo de clarinete
3) Solo de trompeta
4) Solo de bajo
5) Solo de saxo soprano
6) Todo el grupo

Ejemplo de 32 compases con puente 

*** En Satin Doll con Johnny Hodges
*** En   Stompin at the savoy co Edgar Sampson
*** En Lullaby of Birldland con Ella Fitzgerald
*** En Blue Moon con Art Tatum 1Tema (ad lib) -4 chorus (a tempo) + 1/2 chorus
*** En Willow Weep For Me con Stanley Jordan


TODAS LAS ENTRADAS

Escuchar Jazz con Ricard Gili. IV Sesión. El swing

Un tratamiento específico del ritmo: el swing

Louis Armstrong
Hay una anécdota de Louis Armstrong, cuando alguien le preguntó que definiera el swing, respondió:  "si usted no lo siente dentro, más vale que lo deje correr porque nunca sabrá lo que es". Con esta respuesta Armstrong quiso remarcar la característica del swing de no poder ser definido con palabras. Hay que sentirlo de una manera personal, como sensación o cualidad musical, del estilo Swing Jazz.
En 1920, cuando el jazz se hace popular y aparecen las primeras big bands, como la de Fletcher Henderson, a la que se incorporó Louis Armstrong en 1924, o la de Duke Ellington. Las big bands fueron determinantes en el desarrollo del swing.
Utiliza los instrumentos habituales del jazz: una sección rítmica formada por piano, contrabajo y batería, metales como trompetas y trombones, vientos como saxos y clarinetes.
Swing es cuando un intérprete o un conjunto toca de una forma tan rítmicamente coordinada que provoca una respuesta visceral del oyente (hasta el punto de provocar el movimiento de los pies y de la cabeza). Por tanto son esas sensaciones que provocan una pulsión rítmica, flexible, ágil y relajante que invita al baile.

*** Jazz Video - Billie Holiday & Louis Armstrong

CARACTERISTICAS DEL RITMO
  • Ritmo regular y compás 4X4   
Es decir 1 pulsación rítmica (beat) en tiempo constante. 
Los compases de 2X4, 3X4 o 6X8 se traspasan a 4X4
Técnicamente hace referencia a las proporciones que se establecen, en cuanto a duración e intensidad, entre el down beat o tiempo fuerte y el off-beat o contratiempo.


  • ACENTUACIÓN DE LOS TIEMPOS DEBILES
Las acentuaciones de los instrumentos rítmicos como la batería (tiempo débiles-2 y 4 º del compás 4/4).

  • CUALIDADES DEL EJECUTOR
Es el ejecutor el que imprime su sello para que la melodía sea ágil, es el que ha de vivir el ritmo, que ha de ser excitante a la vez que relajante y liberador.


El swing no se puede escribir en una partitura. Nace, crece y muere en la interpretación.
Los mejores músicos de jazz son aquellos que han llegado a tocar con un máximo de swing (L. Armstrong, F. Waller, L. Hampton, C. Basie, D. Ellington, etc).

Diversos ejemplos de producir Swing



EL BAILE

La música Swing se puede bailar de diferentes maneras:  el Charleston, el Balboa, el Claqué, el Lindy Hop,

El Charleston
Es un baile que puede ser individual o en pareja, el cual debe su nombre a la ciudad homónima de Carolina del Sur. Su estilo dinámico, espectacular y divertido se identifica con los “locos años 30″.

El balboa es un baile en pareja que se baila con música swing y que se originó en la península de Balboa, en el sur de California, en los años 20, cuando las salas de baile no tenían capacidad para todos los bailarines, y se popularizó durante los años 30 y 40. Al principio todos sus pasos eran de posición cerrada (para poder bailar en el poco espacio que había). Después el baile fue evolucionando e incorporó pasos de posición abierta. En este baile es muy importante la conexión con la pareja y el lideraje con el torso. Es menos vistoso que el lindy hop, pero es muy creativo y sutil, cualidades muy apreciadas por sus bailarines. Permite bailar músicas muy rápidas, aunque en realidad se puede bailar con cualquier tempo.



Tap dancing (Claqué)

El Claqué es además de baile un instrumento musical y permite una grande improvización y creatividad. Se baila individualmente y su objetivo principal es hacer música con los piés con la ayuda de claquetas de metal especiales que se enganchan en la suela de los zapatos.


  Lindy Hop es un baile en pareja que nació en Harlem, Nueva York, y que enseguida se convirtió en algo muy popular en los Estados Unidos y se extendió rápidamente por Europa, a través de espectáculos de compañías profesionales, de películas y de los soldados americanos que participaban en los enfrentamientos bélicos de la época.



Count Basie




Orquesta Count Basie 


*** Show of the Week - Count Basie and his Orchestra
*** Count Basie - Basie Boogie
*** Count Basie At Carnegie Hall



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CONTINUARÁ

Escuchar jazz con Ricard Gili. III Sesión

Nacimiento del Jazz
En el último tercio del siglo XIX, y debido a una serie de factores de tipo social y económico, darían lugar al nacimiento del jazz en Nueva Orleans,  un estilo musical, usualmente considerado como pianístico, que se conoció como Jig piano style y, más tarde, a partir de 1879, como Ragtime, es decir, ritmo roto o sincopado.
Su consideración como música para piano deriva de las partituras publicadas a partir de 1897, que se editaban para ese instrumento,  permitían recoger las interpretaciones pianísticas y las utilizaban como música de orquesta para su repertorio (Ragtaime Bands).

El estilo pianístico se caracterizaba por el rígido y sólido marcaje del ritmo con la mano izquierda, mientras la derecha marcaba la melodía, de forma muy sincopada, con influencias de los ritmos de banjo de las plantaciones del sur de Estados Unidos
Se trataba de una música "compuesta", y no improvisada.
La primera partitura de ragtime se publicó en 1897 y su autor era el músico blanco William H. Krell, aunque ya desde mucho antes se tocaban rags en los espectáculos de minstrel, confundidos con frecuencia con los cakewalks.

Aunque en algunas ocasiones se incluye al ragtime en la línea directa del jazz, como primera manifestación del mismo, lo cierto es que fue más bien una actividad complementaria que acabó siendo absorbida por el jazz según ambas músicas fueron desarrollándose.
La gran figura del rag fue James Scott Joplin, compositor y pianista. No grabó nunca audio, aunque sí algunos piano rolls a finales de 1915. Su legado, por tanto, se centra casi exclusivamente en sus partituras, diseñadas para una ejecución milimétrica y minuciosa por parte del artista.

James Scott Joplin

Pianistas de ragtime clásicos fueron también  Tom Turpin

Tom Turpin



Louis Chauvin


Eubie Blake


Podríamos decir que el jazz no es lo que se toca sino como se tocaEncontramos temas compuestos tocados de manera especial como: 
*** La canción napolitana "Torna Sorrento" con Willis Jackson

Ricard Gili
Asistir a un taller en el que se vive y se siente el jazz es muy interesante, si además quien lo imparte es el genial Ricard Gili, director de la orquesta La Locomotora negra, trompetista y cantante, todo un placer y si además tienes de compañero de silla a Pascual Maragall, mi querido ex-alcalde de Barcelona y ex President de la Generalidad para qué contar.





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Escuchar jazz con Ricard Gili. II Sesión.

Para llegar a las raices del jazz hay que estacionarse en sus orígenes y allí nos encontraremos con el blues. El blues es un sentimiento, una música, un canto.
Jimmy Yancey 
El blues es un genero musical vocal o instrumental que expresa un sentimiento, generalmente de tristeza.
Originario de las comunidades afroamericanas de Estados Unidos. Se desarrolló a partir de los trabajadores de los  campos de algodón, con sus cantos de trabajo y gritos del campo llamados work songs, en  prisiones, en caminos, por bluesman anónimos mostrando su queja por las condiciones de trabajo, por la exclavitud, etc. y  con sus cantos espirituales, canciones de oración, las Gospel songs.
El blues expresa sentimiento de tristeza pero sin derrotismo, ante temas de racismo, de desamor, de soledad, de pobreza. como un lamento hecho canción.




Siguiendo los patrones de tratamiento de la voz, del ritmo y de la melodía, encontramos que el canto es una parte importante, con características del Góspel, con el shout,  que es un grito del canto negro. Con inflexiones de voz en  trinos y falsetes. Es más importante que el cantante exprese sus emociones incluso que la afinación. El ritmo del blues es muy característico debido a su beat fijo, que permite que se pueda bailar. Tiene ciertas peculiaridades ya que se trata de la sucesión de grupos de dos figuras siendo la primera más larga que la segunda. Es lo que habitualmente se conoce como Swing.(ver en esta entrada del blog )  Flexible y ágil. Las melodías se construyen sobre escalas pentatónicas (de cinco notas) y permite variaciones, cuando se añaden algunas notas más le dan una sonoridad muy peculiar. Estas notas se conocen como blue-notes y suelen estar a distancia de semitono de las notas principales de la escala pentatónica.

Podemos englobar dos categorias :

1.- Blues rural
2.- Blues urbano

El blues rural o country blues, es el más tradicional.Con un estilo seco, poco seductor, áspero, casi una historia narrada sobre el acompañamiento de guitarra.


El blues urbano con un estilo más pulido, mas rico y variado al incluir instrumentos. Predominan la guitarra (con transposición de cuerdas y el vibrato, para dar mayor expresividad, más el uso del "slide", un tubo que se desliza por las cuerdas dándoles una especial sonoridad), el bajo, la batería, la armónica, el piano, el saxo


El blues clásico se toca en doce compases y presenta tensiones armónicas repetitivas con acompañamiento vocal, que puede ser improvisado, y/o instrumental.  Esta forma se plantea como un círculo que se repite siempre igual cambiando el texto pero manteniendo el acompañamiento. Esto facilita, además, que los músicos improvisen alternando las partes cantadas con las instrumentales.

El blues clásico utiliza un esquema de 12 compases de 4/4 y ritmo shuffle. Con este esquema se podría hacer una progresión de blues en cualquier tono. En el ejemplo en Do M:

Escala en Do M
Los acordes que se utilizan  al incluir una cuarta nota (la séptima)  le da una sonoridad especial.
Las blues notas serían :

Escala mayor [Do]    do, re, mi, fa, sol, la, si, do
Escala blues  [Do]     re, mib, fa, sol, la, sib, do
Escala menor [Do]    do, re, mib, fa, sol, lab, sin, do


Louis Armstrong


TODAS LAS ENTRADAS DEL 1º CURSO

Tangos

Tango,tango, tango que describe el sentimiento y la emoción que han pasado en tu vida.
Tristeza, traición, celos, dolor, espera, amor, pesar....

"Verás que todo es mentira,
verás que nada es amor,
que al mundo nada le importa,
Yira, Yira.

Y aunque te quiebre la vida,
y aunque te muerda un dolor,
no esperes nunca una ayuda,
ni una mano, ni un favor...."



Florindo Sassone- El escondite de hernando
Jose Bassó- Ahí va el dulce
Osvaldo Fresnedo Canto de amor
Anibal Troilo- Suerte loca
Quinteto Pirincho- El chamuyo
Osvaldo Pugliese Emancipacion
Alfredo de Angelis Pavadita

Damien Rice en 9 Crimes

Me resisto a creer que la vida es una constante decepción. Solo me voy a permitir pensar así durante los tres minutos que dura esta triste canción. Después quiero pensar, como reza el titulo de mi último blog, que "Nunca es triste la verdad"...lo que no tiene es remedio.


Escuchar jazz con Ricard Gili. I Sesión.

El Jazz la música de un pueblo: los negros afro-americanos

El jazz es una música creada por la comunidad afroamericana de los Estados Unidos de Norteamérica a finales del siglo XIX y desarrollada a lo largo de esta centuria. La identidad de esta música, es decir, lo que permite definirla y diferenciarla de otras, reside en dos categorías fundamentales y en una función inicial específica. Las dos categorías definen una manera de interpretar la música caracterizada por un tratamiento específico del sonido y una particular forma de acentuación rítmica. En cuanto a la función inicial, las fuentes históricas disponibles son rotundas: el jazz nació instintivamente para bailar. 

La Esclavitud

El descubrimiento de América y su colonización fue una de las mayores fuentes de esclavos en esta época. Ya que al colonizar los países americanos normalmente menos desarrollados los sometían y les obligaban ha hacerse esclavos como pasaba con los romanos. Y lo peor de todo es que un porcentaje bastante alto morían en el viaje por las condiciones infrahumanas en las que viajaban.Africa fue uno de los países de donde más esclavos se exportaron (Portugal, fue el primer país europeo que cubrió su demanda de trabajo con la importación de esclavos).



El proceso era el siguiente los esclavos eran capturados por otros africanos y transportados a la costa occidental de África desde allí eran transportados a los distintos piases.
En el siglo XVI, los españoles obligaron a los esclavos indígenas a cultivar grandes plantaciones y trabajar en las minas. Los indígenas no estaban acostumbrados a vivir como esclavos y no podían sobrevivir en estas condiciones.Fueron numerosos los esclavos indígenas que murieron a causa de la rudeza de los trabajos. La música asociada a la esclavitud en Estados Unidos puede englobarse en dos categorías principales: espirituales y música secular, consistiendo la música secular, principalmente, en gritos de campo con el acompañamiento de instrumentos caseros. A pesar de que los tambores estuvieran prohibidos años más tarde (por miedo a que los esclavos los utilizaran para comunicarse en caso de rebelión), los esclavos "llegaron a generar percusión, y sonidos de percusión, utilizando sus propios instrumentos e incluso con sus cuerpos".

"No More, My Lawd"



El tráfico de esclavos

El comercio de esclavos africanos fue la práctica realizada, con esclavos obtenidos en África, aunque el uso general de la expresión restringe la localización geográfica al África subsahariana o "África negra", identificando como "negros" a los sujetos de tal comercio esclavista. A pesar de ser tal denominación un estereotipo que no indica en realidad ninguna categoría antropológica científicamente establecida, la identificación de sus rasgos físicos, especialmente de la piel oscura, fue la base de su discriminación racial.
Hacia el siglo XVII hubo un gran incremento en el número de esclavos debido a su importancia como mano de obra, en las explotaciones agrícolas de gran extensión (sistema de plantaciones) en América del Norte, del Sur y principalmente, en el Caribe.  Este incremento en el comercio negrero fue acompañado, en la mayoría de los casos, por una fuerte ideología racista: los negros eran considerados seres inferiores, asimilados frecuentemente a animales, sin tan siquiera poder ser considerados sujetos de derecho y por lo tanto considerados, jurídicamente, como cosas.
Aunque especialmente, el debate estaba inicialmente en si los individuos de raza negra tienen alma humana, puesto que en caso afirmativo esta actividad sería considerada ilegal por la Iglesia, lo que llevó a un fuerte movimiento para afirmar que las personas de raza negra no tienen alma.
En el caso de los indígenas de América se había decidido que tienen alma por lo que no se les podía esclavizar. De hecho era costumbre en muchas plantaciones explotar al esclavo bajo severas condiciones hasta su muerte, pues salía más barato comprar nuevos esclavos que mejorar sus condiciones de vida, existiendo asimismo seguros que cubrían los denominados accidentes. La fuente de esclavos fue África, y la Isla de Gorea, colonia francesa, fue el lugar preciso donde se estableció el mercado de esclavos, también conocido como el lugar sin retorno y donde se separaban definitivamente las familias desintegradas por la esclavitud.


La Proclamación de Emancipación (1863)

Fue una declaración realizada por el presidente estadounidense Abraham Lincoln, anunciando que todos los esclavos de los Estados Confederados de América serían liberados durante la Guerra de Secesión.A medida que se avecinaba el fin de la guerra, los abolicionistas se dieron cuenta de que, si bien los esclavos habían sido liberados a través de un bando de guerra, la institución de la esclavitud no se había ilegalizado. Aunque algunos estados ya disponían de legislación contra la esclavitud, sin embargo en otros ésta continuaba siendo legal, existiendo hasta el 18 de diciembre de 1865, cuando la Decimotercera Enmienda a la Constitución de los Estados Unidos fue promulgada.

La segregación

Entre 1870 y 1970, el sur de EEUU vivió uno de los períodos más vergonzosos de la historia de este país. Abolida la esclavitud e influidos por las ideologías racistas antinegro se crea un sistema de segregación racial en el que los blancos nórdicos establecieron su supremacía sobre negros e hispanos.Después de la Guerra Civil (1861-1865) los estados del sur resentidos por su derrota redactaron una serie de leyes para disciminar a los hombres de color.



La Primera Guerra Mundial obligó a los empresarios a incluir a los negros como fuerza laboral en la industria, pero al finalizar la guerra, los negros fueron usados para romper las huelgas de los
trabajadores blancos del norte lo que avivó el racismo y la división entre la clase obrera.Las oportunidades en la práctica no eran iguales para negros y blancos. Por ejemplo las escuelas púbicas de blancos recibían más dinero, mientras que la escuelas de negros recibían el mínimo dinero posible. Un caso dramático fue el que sufrió la cantante negra Bessie Smith, víctima de un accidente de tráfico. La ambulancia que la llevaba recorrió todos los hospitales del Missisipi en busca de una transfusión de sangre, pero en ninguno de ellos la dejaron entrar ya que eran “hospitales para blancos”. Bessie Smith se desangró en la camilla, falleciendo por culpa de esta segregación “legal”. Este hecho, y otros muchos, dieron origen al Movimiento de igualdad de derechos de los negros, liderado por Martin Luther King (1929-1968).En 1954 el Tribunal Supremo de los Estados Unidos promulgó la educación como un derecho civil esencial. En el fallo “Brown vs. Borrad of Education” los jueces decidieron que la educación pública segregada no era igual y por lo tanto la segregación en las escuelas públicas era ilegal.En 1963 tuvo lugar la importante Marcha sobre Washington liderada por M. Luther King. Justo un año después se vieron los resultados: las leyes de Jim Crow fueron abolidas mediante la ley “Civil Rights Act” (ley sobre derechos civiles).

El tratamiento específico del sonido

La comunidad afroamericana, antes de producir la música instrumental que llamamos jazz, había desarrollado una música vocal de carácter religioso, el gospel y de signo profano el blues. En estas dos formas musicales, la manera de cantar concretó una estética que sólo coincidía con la música vocal de tradición europea en la afinación final de las notas y en la utilización de la tonalidad. Los afroamericanos añadieron elementos de probable tradición africana o de nueva creación a lo largo de la etapa histórica de su esclavitud.De ahí que tanto el murmullo como el grito directo o el gruñido formen parte de una estética totalmentedistinta de las producciones de tradición europea clásica. La música vocal afroamericana tenía una expresividad fuerte y directa, lejos del endulzamiento, pero no de la ternura, y llena de sentimiento, pero sin ser sentimental. Esta expresividad, que nunca es blanda, se suele calificar con una palabra inglesa: feeling.

"In the uppe room" con Mahalia Jackson

El tratamiento del sonido

Tratamiento de la voz-Tratamiento del ritmo-Tratamiento de la melodía

En el jazz procede en un principio de una imitación literal de la voz afroamericana en la sonoridad de los instrumentos, como si la voz también tuviera un color diferente. Más adelante esta literalidad del sonido se hizo más compleja y no siempre ha sido rigurosamente identificable. Sin embargo la forma de diseñar las frases musicales, incluso las más endiabladamente rápidas, debe ser traducible al scat vocal. Y en todo caso el sonido de trompetas y clarinetes, de trombones de varas y de saxos nació al jazz siguiendo las características de la voz en el canto afroamericano. Para nosotros estas características constituyen un núcleo duro de significación estética sin el cual no creemos que exista, propiamente hablando, jazz con respecto al sonido.Por lo tanto intentamos construir un sonido a base de ataque en las frases musicales, de la constancia de la síncopa, del vibrato, de las inflexiones y los glissandos y, sobre todo, del feeling propio de este lenguaje musical. Creemos también que a partir de este núcleo duro de significación son cientos los matices y los adjetivos que la personalidad de los músicos afroamericanos han sabido crear.



 Las canciones de trabajo, cantadas por los esclavos son conocidas en el mundo por distintos nombres. En Estados Unidos, este tipo de canciones (work songs) fueron uno de los antecesores del blues; algunas canciones formaban parte de la herencia nativa de los esclavos y eran cantadas para recordar el lugar de donde provenían, mientras que otras fueron impuestas por los dueños de los esclavos para aumentar la moral de los mismos e incluso para hacerles trabajar de una forma rítmica. Las canciones de los esclavos negros de Estados Unidos pueden asociarse a las canciones de las Chain gang (término asociado al grupo de convictos encadenados juntos y que realizan una labor física y repetitiva) o a los espirituales, dependiendo del contexto de la canción.

Mahalia Jackson


***  " Litle boy"  con Reverend Kelsey and his congregation

***" Were You There When They Crucified My Lord" Sister Rosetta (Tratamiento de la voz)
Curiosas imágenes en Didn't it Rain

*** " How i got over it" con Mahalia Jackson (Tratamiento del ritmo)

 "When I Lay This Body Down" con Marion Williams (tratamiento de la melodía)

Valoración de la calidad interpretativa:



Solo voces:

Con acompañamiento musical:
***  Reverend The Johnny Thompson Singers


Podeís como complemento consultar en esta entrada de mi blog:



TODAS LAS ENTRADAS DEL 1º CURSO

Vengerov y Beethoven Violin concierto

Algunos creen que para ser amigos basta con querer, como si para estar sano bastara con desear la salud. (Aristoteles)
Sea como fuere para que mis amigos se deleiten con esta melodía este fin de semana que, al menos en Barcelona, se puede presentar lluvioso.


Ludwig van Beethoven - Violin Concerto in D major, Op. 61
I. Allegro ma non troppo (00:00)
II. Larghetto (25:30)
III. Rondo. Allegro (34:14)
Maxim Vengerov, violin
Classic FM M-Tel Radio Symphony Orchestra
Luciano Di Martino, conductor


Bach, Cello Suites. Carta a un amigo

"...preferid, entre los amigos, no sólo a aquellos que se entristecen con la noticia de cualquier desventura vuestra, sino más aún a los que en vuestra prosperidad no os envidian"

CARTA A UN AMIGO

No puedo darte soluciones para todos los problemas de la vida, ni tengo respuestas para tus dudas o temores, pero puedo escucharte y buscarlas junto a ti. No puedo cambiar tu pasado ni tu futuro. Pero cuando me necesites, estaré allí.

No puedo evitar que tropieces. Solamente puedo ofrecerte mi mano para que te sujetes y no caigas. Tus alegrías, tu triunfo y tus éxitos no son míos. Pero disfruto sinceramente cuando te veo feliz.

No juzgo las decisiones que tomas en la vida. Me limito a apoyarte, a estimularte y a ayudarte si me lo pides. No puedo impedir que te alejes de mí. Pero si puedo desearte lo mejor y esperar a que vuelvas.

No puedo trazarte límites dentro de los cuales debas actuar, pero sí te ofrezco el espacio necesario para crecer. No puedo evitar tus sufrimientos cuando alguna pena te parte el corazón, pero puedo llorar contigo y recoger los pedazos para armarlo de nuevo.

No puedo decirte quién eres ni quién deberías ser. Solamente puedo quererte como eres y ser tu amigo. En estos días ore por ti... En estos días me puse a recordar a mis amistades más preciosas.

Soy una persona feliz: tengo más amigos de lo que imaginaba. Eso es lo que ellos me dicen, me lo demuestran. Es lo que siento por todos ellos. Veo el brillo en sus ojos, la sonrisa espontánea y la alegría que sienten al verme.

Y yo también siento paz y alegría cuando los veo y cuando hablamos, sea en la alegría o sea en la serenidad, en estos días pensé en mis amigos y amigas y, entre ellos, apareciste tú.

No estabas arriba, ni abajo ni en medio. No encabezabas ni concluías la lista. No eras el número uno ni el número final.

Lo que sé es que te destacabas por alguna cualidad que transmitías y con la cual desde hace tiempo se ennoblece mi vida.

Y tampoco tengo la pretensión de ser el primero, el segundo o el tercero de tu lista. Basta que me quieras como amigo. Entonces entendí que realmente somos amigos.

Hice lo que todo amigo: Ore ... y le agradecí a Dios que me haya dado la oportunidad de tener un amigo como tú. Era una oración de gratitud: Tú has dado valor a mi vida...



Bruckner

Vísteme de hermosura el pensamiento, serenidad, perennemente unida al árbol de mi vida a contra viento. (Blas de Otero).
Para acompañar la lectura este compositor austriaco. Serena tu espíritu escuchando la



Elsa Lopez. Tan sencillo este amor

Un poema de Elsa Lopez

TAN SENCILLO ESTE AMOR

Tan sencillo este amor,
tan luminoso,
y tú no aciertas nunca
a saber de verdad lo que me pasa.
Lo que me pasa, amor,
es que te quiero,
es que el aire se agrupa de corceles,
golondrinas de mar,
garzas azules.
Lo que te ocurre, amor,
es que eres tonto,
que mi amor se ha quedado flotando entre los brezos
y tú no aciertas nunca
a saber de verdad lo que me pasa.
Tú que lo sabes todo,
que todo lo adivinas y comprendes,
¡Qué tonto eres, amor!
¡Qué tonto eres!




Bob Marley

Los primeros años

Jamaica es una isla del Caribe situada entre Cuba y la Republica Dominicana, con una población de unos  2,7 millones de habitantes, de los que el 80% son de raza negra. Colón tomó posesión del lugar durante su segundo viaje a las Américas; luego fue tomada por los ingleses en 1655 repoblada con mano de obra negra esclavizada. El gobierno británico y la oligarquía local obtuvieron incalculables beneficios económicos de esta colonia durante todo el periodo colonial a costa, claro está, del trabajo y los sufrimientos de la mayoría negra. Esta situación continuó inalterable hasta 1927, en la que un evangelista llamado Marcus Garvey empezó a predicar en contra de la dominación blanca y a expandir la idea del regreso a África. Este hombre tuvo un gran impacto entre la población negra jamaicana con sus discursos y profecías, sentando las bases de lo que se conocería como Fe Rasta, religión de la que Bob Marley fue uno de los máximos profetas.

Bob Marley nació 1945 en St Ann, en un lugar llamado Rhoden Hall, tan pequeño que ni siquiera aparece en el mapa turístico de Jamaica, en el interior de la isla. Su madre era una mujer de lugar y su padre un oficial retirado del ejército británico que trabajaba en el departamento forestal en la isla. Marley acudió a la escuela del pueblo, pero a los 14 años se trasladó a Kingston, capital de Jamaica. El padre de su amigo Bunny Livigstone, le acogió en su casa el barrio de Trenchtown, y con el tiempo se convertiría en uno de sus mejores amigos y más estrechos colaboradores musicales.
Trenchtown es uno de los arrabales más miserables que rodea Kingston; las clases son sucias chabolas de madera, chapas metálicas, pizarra y cartón, que comparten espacio vital con la basura y una en madre nada de citación tropical. Allí vivían los de los perdidos, los músicos, los poetas visionarios, los perros callejeros, todos en busca de la oportunidad de grabar un disco. Un paisaje poco menos que apocalíptico retratado excelentemente por otro de los grandes del reggae, Jimmy Cliff, en la película The Harder they come, en la que fue protagonista y guionista, al aportar sus vivencias para dar veracidad a la historia.
*** The Harder they come(fragmento)

Bob Marley no era una excepción y pasaba gran parte de su limitado tiempo escuchando la radio, tratando de sintonizar las emisoras de Nueva Orleans. Sentía una especial predilección por el cantante Brook Benton, uno de los más influyentes intérpretes negros de los 50, junto con Ray Charles, Sam Cooke y Jackie Wilson. Pero las preferencias de Marley no se restringían a Benton, también escuchaba a Nat king Cole, Billy Eckstine, Fats Domino y Elvis Presley. Más adelante contaría con la duda estimable y dos de los más grandes cantantes americanos: Desmon Dekker y Jimy Cliff.
De que fue uno de los primeros cantantes de la isla que obtuvo un cierto éxito en la metrópolis británica y en los Estados Unidos, ampliamente superado por la acogida recibida por Jimmy Cliff, actualmente considerado, junto al mismo Marley y a Toots del grupo Toot&The Maytals, Como uno de los tres maestros del reggae. 
Aquellos eran años importantes, en los que soplaban vientos de renovación en la música jamaicana. En el periodo de entre guerras se había hecho mucho hincapié en la música sudamericana, que influyó enormemente en las corrientes musicales de la isla, a través de la rumba, el tango y la samba. Pero a finales de los 50 la imitación de los modelos negros importados de Estados Unidos evolucionó hacia un estilo más original, el Ska antecedente directo del reggae. Marley no podía haber escogido mejores amigos para entrar en el mundillo musical. Gracias a Dekker trabó conocimiento con el productor Leslie Kong y grabó su primer disco en 1961. Tenía 16 años, y mientras unos dicen que la primera grabación fue Judge not, otros aseguran que fue una versión de Onne cup of coffee, de Brook Benton. Terror sería el título de otra de las canciones grabadas en aquella época, pero ninguna de ellas funciono, ni siquiera en las emisoras jamaicanas que todo el día programa de música de moda.
En 1964 Marley trabó amistad con Joe Higgs, cantante y arreglista profesional que le enseñaría las técnicas de los arreglos vocales e instrumentales, amén de iniciarle en el arte de saber vivir. Alvin Seeco Patterson, otro músico, batería rastafari, le siguió las claves del sentido del ritmo. También conoció a Mortimer Planner, un viejo rasta que hacía las veces de obispo de los guettos que rodean Kingston. Las enseñanzas de todos ellos fueron fundamentales para la vida de Marley, inculcandole un sentido y trascendencia religiosa a todas sus actividades, algo que se potenciaba con el uso de la potente marihuana jamaicana, a la que Marley era bastante aficionado.

Las rastas de Jamaica

La hierba era para Marley, como para todos los rastas, una especie de Sacramento, un mandato divino. Como el mismo explicaba: "está escrito en la Biblia; está escrito que el hombre debe fumar toda la hierba necesaria para comunicarse con Jah. Cuando fumas hierba jamaicana te muestras a ti mismo. La hierba te revela todo lo malo que haces; es tu conciencia, te da una fotografía clara de ti mismo. La hierba que hace meditar. La hierba es sólo una cosa natural, crece como un árbol”.
Saben que son los rastas y Jah no resulta tan claro como pudiera parecer, además, ellos tampoco parecen ponerse de acuerdo más que en dos o tres puntos fundamentales. Algunos están por la lucha armada, otros por la meditación trascendental, mientras que otros abogan por la paciencia revolucionaria.
Marcus Garvey, a quien ya hemos mencionado anteriormente, fue el principal impulsor de dicha fe. Nacido en Jamaica y 1887, su padre era descendiente de las tribus maroon, una especie de nación independiente que habían formado esclavos negros en el interior de la isla.
Pronto empezaría su labor predicadora, a la vez que organizaba huelgas contra el gobierno británico y su tía sus teorías sobre la vuelta a África. En 1916, Garvey se trasladó a Estados Unidos donde se formaría como periodista. Con otros radicales negros fundó la Universal Negro Improvement Association. Incluso realizaron una proclama de carácter internacional en la que afirmaba que eran los descendientes de un pueblo decidido a no sufrir más, y que Etiopía era la tierra prometida.
La influencia de Garvey fue decisiva para la formación de los nacionalismos negros africanos y la inclusión de los movimientos negros en Estados Unidos, aunque sería en Jamaica en donde sus enseñanzas y profecías calaron más hondo. Los jamaicanos descendientes de esclavos creyeron sus profecías a pies juntillas, sobre todo la que decía: “Mirad a África, donde será coronado un rey negro, porque el día de la libertad está ahí”.
En 1930, tres años más tarde, Ras Tafari Makonen se haría coronar como el 111º emperador de Etiopia, trazando una línea hereditaria que le urgía nada menos que con el rey Salomón y la Reina Makeda de Saba, después de tal evento, varios predicadores de la isla empezaron a rezar a Haile Selassie como si fuese el dios viviente y el redentor de los africanos diseminados por el mundo. Los seguidores de dicho culto empezaron a ser conocidos como los “rastafaris” o “rastamen”.

Bob Marley y The Wailers

En vistas del panorama, Marley se asoció con los hermanos Carly y Aston Barret en 1969. La unión de The Wailers co los Barret resultó providencial y mágica para la música jamaicana. Los nuevos Wailers eran: el propio Marley compositor, guitarra rítmica y cantante, Peter Thos, guitarrista y cantante, Bunny Livingstone que realizaba armonías vocales y ritmos, Carly Barret, que tocaba la batería y Aston Barret, quien hacía lo propio con el bajo. También se adentrarían en contacto con otros elementos tal en la evolución musical de The Wailiers: Lee Perry, productor de talento que se convertiría en amigo y consejero de Bob Marley. Perry fue quien desarrolló la nueva música del grupo, acentuando el énfasis vocal de Marley.
En verano de 1970 se publicó el primer larga duración de los nuevos Warleis, Soul rebels, al que seguiría Soul revolution, considerados por los puristas como los mejores de Bob Marley.


Álbum Soul rebels

CARA A
Soul Rebel 
Try Me 
It's Alright
No Sympathy
My Cup
Soul Almighty
CARA B
Rebel's Hop
Corner Stone
400 Years
No Water
Reaction
My Sympathy




Pero el grabar con Lee Perry no sacó de la pobreza a Bob Marley, ni a The Wailers. A todo esto llegó a la isla un negro tejano, Johnny Nash, y su representante Danny Simms, que rápidamente quedaron impresionados por las posibilidades de Marley y su grupo, a quienes ofrecería un contrato. El confío en los recién llegados y les acompañaría a Suecia para trabajar en la banda sonora de una película. El proyecto fracaso y The Wailers recalaron en Londres, donde ofrecieron un sinfín de conciertos para la gran comunidad jamaicana establecida en Gran Bretaña.
De regreso a Jamaicaca, el grupo con Marley y Tosh, como compositores y líderes, iban apartándose del soul y del ska, que habían sido sus primeras y más claras influencias, y se iban decantando hacia una música más eléctrica y roquera, que primero se llamaría rock steady, y más tarde reggae, aunque no fueron los únicos en tomar dicha dirección. También Toot & The Maytals, popr entonces el trió vocal más potente de Jamaica, optaron por lo mismo. De ahí al reggae que vendría después no había más que un paso, el de la supresión de los omnipresentes vientos, con el juego del bajo eléctrico, la guitarra, la batería y los teclados al servicio de un cantante solista.
Lo siguiente que intentó Marley fue montar una compañía discográfica propia, empeño en el que esta ocasión tendría mucho más éxito que con anterioridad. Tuff Gong, que así se llamo el sello discográfico, dio a The Wailers la oportunidad de colocar una canción tras otra en las listas jamaicanas, ejemplos de ello fueron entre otras: Trenchtown, Mr. Fire coal man, Satysfy my soul, Acrew face. Pero lo que les sacaría verdaderamente del atolladero sería conocer al productor blanco Chris Backwell, que había fundado Island Records. En 1971, Blackwell creyó llegada la hora de lanzar al mercado internacional el sonido del reggae por lo que fichó a Bob Marley y The Wailers. A partir de entonces las cosas cambiaron radicalmente para todos ellos, sobre todo en lo que a condiciones de trabajo se refería.
Catch a fire (1973), fue el primer disco del grupo con Island y el primero de su carrera internacional.
*** Catch a fire completo
Grabado en Jamaica, apareció muy pronto en Inglaterra, donde causó verdadera sensación. Marley no sólo coprodujo el disco con Blackwell sino que también era al compositor de siete de las nueve canciones, entre ellas una sensual canción de amor, Stir it up, un manifiesto contra la esclavitud Slave driver y Bay we've got a date, un clásico de su repertorio. Catch a fire era un perfecto álbum de debut, con un ambiente dulce y evocador. Peter Tosh también colaboró con 400 years y Stop that train. A pesar de todo, el disco no fue un éxito comercial, pero Blackwell siguió apoyando a Bob Marley y The Wailers convencido de que más pronto más tarde serían aceptados por el gran público blanco.

El segundo larga duración de Bob Marley & The Wailers, Burnin (1973). Era una auténtica obra maestra, dura, militante, comprometida, con auténticas joyas de la creatividad de Marley, como Get up, stand up, Put it on, o Small axe.

Peter Tosh contribuiria con One foundation. Sin embargo, la canción más famosa del álbum fue I shot the sheriff, que se convirtió en la tarjeta de visita de Marley ante los músicos blancos y de la que Eric Clapton realizaría una magnífica versión en 1974. El disco acaba con el sobrecogedor Rasta man chant, un canto tradicional etíope de carácter bíblico. Con ese disco Marley se afianzó definitivamente, como lider del grupo, sobre todo después del éxito en las listas americanas e inglesas de I shot the sheriff. Eso fue algo que no hizo demasiado feliz a Tosh y que dio como resultado su marcha del grupo, al igual que la de Livegstone, tras realizar una breve gira.

Natty Dread apareció en las tiendas a principios de 1975, *** Natty Dread álbum  y rápidamente se convertiría en un nuevo éxito, rompería moldes, sin duda, la mejor canción contenida en el álbum era No woman no cry, aunque no constituyo ninguna excepción dentro de la alineación de las que presentaba el disco, con un contenido sofisticado, más claro, sencillo y sutil, sin que pudieran percibirse las notables ausencias de Tosh y Livegstone, ya que Marley había tenido a los hermanos Barret, una de las mejores bases ritmicas de todo Jamaica, y había añadido un guitarrista Al Anderson, un organista Touter y un duo de chicas entre ellas Rita Marley, su esposa, que otorgaba un toque de delicadeza a los acompañamientos. Además el disco incluía composiciones como Them belly full,  Lively up yourself, Revolution, So jah seh, Rebel music, todos ellos temas de alto contenido político y social.

En julio de 1975, Marley ofreció un concierto apoteósico en el Lyceum de Londres, *** que sería grabado en video y disco, publicándose un año después bajo el título Live! que obtuvo el favor de la crítica regresa a continuación Bob Marley & The Wailers volvieron a Jamaica a fin de componer las canciones para su nuevo álbum. Mientras tanto Anderson abandonaba el grupo y fue reemplazado primero por Donal Kinsey y después por Earl China Smith. El teclista Touter también sería sustituido por Tyrone Downie. El resultado fue que el grupo ganó el número de miembros, aunque no afectaría determinantemente a su música, ya que los hermanos Barret continuaron al frente de la sección rítmica, base del reggae.

Rastaman vibration (1976) fue el primer álbum de Marley que entraría en el top 10 norteamericano, y fue el primero en el que el mensaje místico superó al contenido social. Sin embargo, la acogida de la crítica no fue todo lo bueno que cabría esperar.
Abría el disco Positive vibrations, una celebración de la calidad considerada desde la visión rastafari de la existencia, War era nada menos que un discurso de Haile Selassie convertido en cántico. Este fue un álbum cargado de inspiración genial, además de buena música, un motivo de atención a la conciencia, lleno de buenas vibraciones. Sin embargo el 5 de diciembre de 1976, The Wailers tenían previsto un concierto gratuito que iba a celebrarse en Kingston en apoyo a la campaña electoral de reelección del premier jamaicano, Michael Manley, el 3 de diciembre, alguien disparó sobre Marley, que resultó herido en el brazo izquierdo. A Marley no le sentó muy bien y decidió marcharse de Jamaica.

En Exodus ***  (1977) su siguiente ha grabado entre Londres y ya, el cantante denunció la situación que se vivía en la isla, e incitaba un plan profético al éxodo y a la lucha por los derechos del pueblo de Jah.
El sonido global del disco también resultado más potente y compacto, algo fácil de apreciar en el tema Exodus, una especie de himno rastafari. También habían canciones de amor como Turn your lights down low, Waiting in vain,  One love, al igual que algunas de las más bellas composiciones de Bob Marley, como Jamming. El disco se convirtió en un gran éxito mundial, excepto en los Estados Unidos, algo que obligó a The Wailers a cancelar la gira proyectada por dicho país.
Durante la gira europea, le habían realizado unos exhaustivos análisis de los que resultó un diagnóstico de cáncer degenerativo. Fiel a su religión rasta, Marley se negó a someterse a ningún tratamiento de cirugía y durante el resto de su vida hubo que parecer graves dolores.

Producto de la gira europea sería el álbum en directo Babylon by bus *** (de 1978), con material de las actuaciones realizadas en París, Copenhague, Londres Amsterdam. El siguiente larga duración fue Kaya (1978) álbum lleno de bellas canciones de amor, como Is this love y Shes’s gone, dos de las mejores de su carrera. También este fue su álbum más vendido, lo que le permitió recorrer el mundo tocando y está haciendo el mensaje rastafari.
 Ibiza fue uno de los lugares en los que recaló con motivo de dicha gira, en donde Marley extendería una bandera de Etiopia sobre el escenario, colocando un retrato Haile Selassie dando un extraordinario concierto.
El álbum Survival*** (1979) estaba enteramente dedicado a África, algo normal en este momento de su carrera, dado que Bob Marley ya había anunciado que todos sus esfuerzos iría dirigidos a la liberación completa del continente negro. La portada del disco reproducía las banderas de todos los estados del continente africano. Bob Marley y The Wailers actuaron en el mítico Apollo Theater de Harlem, en Nueva York, nada más aparecer Survival, en Estados Unidos, como un gesto destinado a ganarse a los negros norteamericanos para la causa rastafari. Temas como Babylon System, Zimbabwe, So much trouble y África unite. Hacían una clara referencia a la intención soliviantadora del lanzamiento. También eran los últimos días del profeta más grande del reggae y su mensaje ya no debía esperar mi tan solo mostrase contenido; las soluciones eran claras y sin ambages.
Finalmente en 1980, Bob Marley y The Wailers iniciaron una grandiosa gira mundial y publicaron el álbum Uprising***.
El rostro de cantante  ya indicaba el doloroso y paulatino avance de su gravísima enfermedad aunque en su voz sonara la optimista y esperanzada Redemp-tion song. Barcelona le recibiría en junio de 1980, fecha en la que Bob Marley, junto a sus incondicionales Wailers, realizó un soberbio concierto de más de 20.000 seguidores. El 9 de mayo de 1981, llego a Bianchi, donde fallecería tan sólo dos días más tarde sin haber logrado regresar a su país natal a final de su gira mundial.

*** Comfrontacion (álbum póstumo)
*** Legend álbum completo
*** Live en Santa Barbara
*** Bob Marley grandes exitos
*** Natural Mystic